Les 25 plus grands acteurs du 21e siècle (jusqu'à présent)

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Caméléons ou beautés, tours de stars ou rôles de personnages – ce sont les interprètes qui ont éclipsé tous les autres sur grand écran au cours des 20 dernières années.

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Nous sommes dans l'âge d'or du jeu d'acteur – faites ce disque de platine – comme nous l'avons réalisé lorsque nous avons décidé de sélectionner nos interprètes de films préférés des 20 dernières années. Il n'y a pas de formule pour choisir le meilleur (juste se chamailler), et cette liste est à la fois nécessairement subjective et peut-être scandaleuse dans ses omissions. Certains de ces artistes sont nouveaux sur la scène ; d'autres existent depuis des décennies. En faisant nos choix, nous nous sommes concentrés sur ce siècle et avons regardé au-delà d'Hollywood. Et s'il y a certainement des stars dans le mélange et même une poignée d'oscarisés, il y a aussi des acteurs et des caméléons, des héros d'action et des chouchous de l'art et essai. Ce sont 25 raisons pour lesquelles nous aimons toujours les films, peut-être plus que jamais.



25

Gaël Garcia Bernal

MANOHLA DARGISQuand le thriller Amores Perros d'Alejandro González Iñárritu et le road movie d'Alfonso Cuarón Et ta mère aussi sont sortis dans des salles d'art américaines à un an d'intervalle, les chocs étaient sismiques. Leurs réalisateurs courent bientôt vers une renommée internationale, tout comme Gael García Bernal, leur étoile commune. Il était doué, tenait l'écran et avait un visage que vous regardiez sans cesse, en partie parce que – avec ses yeux de biche et sa mâchoire de lanterne – il fusionnait parfaitement les idéaux de beauté féminine et masculine.

Ce contraste n'était pas particulièrement évident dans Amour Chiens (2001), mais il contribue à enrichir le plus chaleureux Y Tu Mamá También (2002), une histoire émouvante de passage à l'âge adulte qui s'ouvre sur un cri et se termine sur un soupir. García Bernal incarne Julio, un adolescent de la classe ouvrière en voyage de découverte (de soi, des autres). Avec son meilleur ami (joué par Diego Luna), Julio dégringole dans la vie jusqu'à ce qu'il ne le fasse pas. Au fur et à mesure que le tapage de l'histoire se calme, le machisme adolescent de Julio s'estompe, remplacé par la réflexion que l'acteur rend si physique que vous voyez le personnage se retirer en lui-même.

En 2004, García Bernal était apparu dans le film de Walter Salles Les journaux de moto comme le jeune Che Guevara et a joué un caméléon duplice dans Pedro Almodóvar Mauvaise éducation. Almodóvar a mis l'acteur sur des talons pour jouer une femme fatale noirâtre, un rôle que García Bernal n'a apparemment pas beaucoup aimé faire mais qui a approfondi son personnage avec une tache de rouge à lèvres et une froideur psychologique qui a créé de nouveaux chocs.

A. O. SCOTTChez Pablo Larraín Non (2013), García Bernal incarne René Saavedra, un jeune créatif publicitaire de premier plan dans le Chili des années 1980, avec son charme habituel. Il est cool mais pas intimidant ; beau dans la même mesure; drôle mais pas au point d'être odieux ; sûr de lui mais pas un imbécile. Au début, il est facile de sous-estimer à la fois René et García Bernal, de confondre leur naturel décontracté et sans prétention avec un manque de gravité ou de savoir-faire. René est enrôlé par un groupe de partis politiques d'opposition pour produire des spots télévisés soutenant le non à un référendum prolongeant la dictature d'Augusto Pinochet. Le travail de René est de vendre le rejet comme un choix optimiste, de reconnaître la brutalité du régime de Pinochet tout en se concentrant sur l'avenir heureux sans lui. Bien que René croie en la cause, il la considère également comme un défi marketing, et il y a un peu une ambiance de Mad Men dans ses querelles avec les clients, les collègues et les rivaux.

C'est à García Bernal de faire le lien dramatique entre les banalités du business médiatique et la terreur de la répression politique, et il le fait presque entièrement avec ses yeux. Une nuit, l'appartement qu'il partage avec son jeune fils est vandalisé pendant qu'ils dorment, et à ce moment-là, la résolution de déchiqueteuse de René se liquéfie en une peur pure. Le lendemain, il est de retour au travail, et lui et le public ont une nouvelle et profonde compréhension de ce que signifie le travail.

Louer ou acheter Non sur les principales plateformes de streaming.

24

Sonia Braga

MANOHLA DARGISJe viens de revoir Aquarius (2016) pour notre ode à Sônia Braga. Pour ceux qui ne l'ont pas vu : Braga incarne Clara, une écrivaine dont l'appartement fait face à l'Atlantique. La majeure partie de l'histoire suit Clara qui vit sa vie tout en chassant son propriétaire. Braga s'intègre parfaitement dans le réalisme merveilleux et sans chichis du réalisateur Kleber Mendonça Filho. Cette fois, en regardant le film, cependant – en partie motivé par, hum, un titre de chapitre intitulé Les cheveux de Clara – j'ai remarqué comment Braga n'arrêtait pas de réarranger son opulent rideau de cheveux. Et, alors qu'elle le balayait et le baissait, je me suis rendu compte que Mendonça ne présentait pas seulement un personnage mais aussi la légende qui la incarnait.

A. O. SCOTTC'est un rappel – subliminal et effronté à la fois – que Braga était une grosse affaire au Brésil et au-delà dans les années 1970 et 1980, la réponse de son pays à Sophia Loren. Ses films avec Mendonça (Bacurau cette année ainsi qu'Aquarius) puisent dans cette histoire et exploitent son charisme à l'ancienne. Mais ce ne sont pas que des stars en fin de carrière. Clara n'est pas Sonia Braga : c'est une femme très spécifique avec sa propre histoire de réalisations, d'histoires d'amour et de regrets. Mais seule une interprète avec la totale assurance de Braga, son indifférence héroïque à ce que les autres pensent d'elle, pourrait donner vie à Clara.

DARGISPourtant, ce que j'ai trouvé fascinant à propos du Verseau cette fois, c'est que Clara est aussi Braga, dans le sens où le sens du personnage est en partie façonné par tout ce que Braga apporte chaque fois qu'elle est à l'écran, y compris son histoire dans le cinéma brésilien en tant que femme d'ascendance mixte ainsi que ses aventures à Hollywood. Il y a quelque chose de fantastiquement libérateur à regarder Braga jouer cette femme majestueuse, qui a des rides visibles et n'a jamais eu de reconstruction mammaire après sa mastectomie. C'est d'autant plus vrai que Braga a été autrefois asservie en tant que star du sexe. Il n'y a rien d'autre pour l'appeler, a écrit un critique masculin – eh bien, vous pourriez l'appeler actrice.

SCOTTSon habileté se manifeste d'une manière totalement différente dans Bacurau cette année, une allégorie science-fiction follement fantastique (et violente) du Brésil en crise qui s'écarte du réalisme des autres films de Mendonça sans abandonner leur passion politique ou leur humanisme. Braga, qui fait partie d'un ensemble tentaculaire qui comprend des acteurs non professionnels, est essentiel pour cela. Elle incarne Domingas, un médecin d'une petite ville avec un problème d'alcool et une personnalité parfois abrasive – un rôle déglamorisé et comique que personne d'autre n'aurait pu gérer avec autant de profondeur et de grâce. Ou comme Mendonça l'a dit, dans une symphonie, elle serait le piano.

Ruisseau Bacurau sur le Canal de critère et Verseau sur Netflix .

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23

Mahershala Ali

A. O. SCOTTMahershala Ali a l'un des grands visages des films modernes - ces pommettes sculptées, ce front haut et contemplatif, ces yeux teintés de mélancolie. Sa présence devant la caméra est magnétique, mais aussi vigilante et sournoise. Ses personnages ont tendance à la réticence, à la prudence, mais leur réserve est sa propre forme d'éloquence, leurs chuchotements plus résonnants que n'importe quel cri.

Ali a remporté deux Oscars du meilleur acteur de soutien. Le premier était pour Moonlight (2016), dans lequel il a démoli tranquillement un stéréotype hollywoodien durable. Juan est un trafiquant de drogue, une figure de la destruction communautaire et de la violence implicite. Ce qui le définit, cependant, c'est sa douceur, la gentillesse inconditionnelle qu'il accorde à Chiron, le jeune protagoniste. Juan écoute le garçon ; il répond à ses questions ; dans l'une des scènes les plus émouvantes du film, il lui apprend à nager.

Et puis, entre le premier et le deuxième acte, il s'évanouit. Mais Ali hante le film même après son départ. Il est à la fois son image tragique et nourrissante de la virilité et le premier homme digne de l'amour de Chiron.

MANOHLA DARGISAli a attiré mon attention pour la première fois dans la série Netflix House of Cards. Il a joué Remy Danton, un avocat de Washington dont le petit sourire complice pouvait clignoter comme un avertissement, signalant le danger dans son monde. Remy est entré dans le deuxième épisode d'une scène dans un restaurant, où le personnage principal, Frank Underwood (Kevin Spacey), mange avec deux autres courtiers en pouvoir. Rémy ne se tient pas au-dessus des hommes assis, il se dresse. Vous savez qu'Underwood est une mauvaise nouvelle, mais lorsque le réalisateur David Fincher coupe le visage de Remy, Ali change brusquement la température en laissant tomber sa façade affable pour une méfiance qui pique la peau, indiquant clairement qu'il ne parle pas à un homme mais à un prédateur. .

J'étais tellement habitué à voir Ali dans un costume sur mesure (et parfois dehors) que je ne l'ai pas reconnu au début dans Moonlight. Il ne s'agissait pas seulement des différentes garde-robes, mais de l'orientation précise qu'Ali donnait à chaque homme, des variations dans les corps, oui, mais aussi dans la façon dont ces corps bougent et signifient. Dans House of Cards, Remy coule et il y a eu des moments où j'ai pensé que je regardais le prochain James Bond. Dans Moonlight, Ali crée un personnage titanesque dont la force, même après sa disparition du film, continue de résonner. L'acteur crée un personnage très différent dans Livre vert (2018, son deuxième lauréat d'un Oscar), cette fois avec une performance - en tant que musicien Don Shirley, qu'Ali incarne un homme et une forteresse défendue - qui surpasse le film.

SCOTTJe dirais presque que la performance est à l'opposé du film. Ali est gracieux, plein d'esprit et conscient de lui-même tandis que Green Book est maladroit, plaisant et aveugle à ses propres insensibilités. Je ne suis pas sûr qu'un autre acteur aurait pu gérer la fameuse scène du poulet frit avec une dignité aussi sournoise. Que Green Book et Moonlight aient tous deux remporté les meilleurs films illustre les contradictions de notre moment culturel, mais c'est la preuve du talent d'Ali que son art subtil et son charisme inébranlable peuvent ancrer deux films aussi divergents.

Diffuser Clair de lune sur Netflix .

22

Mélissa McCarthy

MANOHLA DARGISLorsque les critiques anatomisent des artistes comiques comme Melissa McCarthy, nous abordons souvent des qualités familières comme le timing, la grâce et la physionomie élastique. Mais on parle aussi d'acteur. Depuis qu'elle est passée de la télévision au cinéma, McCarthy a démontré à plusieurs reprises sa gamme et a contribué de manière exaltante à démolir les idées régressives sur qui devient une star de cinéma. Aucun film ne l'a mieux servie que Spy (2015) dans lequel elle incarne Susan, une timide C.I.A. analyste qui a été envoyé dans une mission étrange qui permet à McCarthy de hacher puis de fanfaronner délicieusement.

La façon dont il déploie les conventions de genre pour mettre en valeur les talents de McCarthy tout en faisant exploser les stéréotypes est essentielle au plaisir subversif de Spy. Susan contient des multitudes, d'abord pour se protéger (elle atténue son feu) et plus tard pour exprimer son humanité. Sur le terrain, elle assume malheureusement plusieurs déguisements maladroits et tragiquement perchés – des variations sur la façon dont les autres la voient – ​​avant de se transformer en un fantasme sexy et trash de sa propre conception. Alors que Susan laisse tomber ses cheveux et ses inhibitions, McCarthy se déchaîne. Sa voix explose, ses mains tremblantes se transforment en poings, son visage de poupée Kewpie se transforme en Medusa. McCarthy ne joue pas une seule femme - elle est nous tous, avec une vengeance.

A. O. SCOTTLee Israel est drôle. Elle partage un esprit verbal rapide et furieusement agressif avec certaines des autres créations de McCarthy, comme Tammy dans Tammy (2014) et Mullins dans La chaleur (2013). Mais Lee était une vraie personne, et Can You Ever Forgive Me ? (2018) n'est pas exactement une comédie. Ce n'est pas tout à fait un biopic non plus, mais plutôt une tranche très spécifique de la vie queer et littéraire new-yorkaise de la fin du XXe siècle, enfilée dans une image de copain inadaptée et transformée en un film de câpres.

Lee n'est pas facile à aimer ou à aimer. Elle est abrasive, égocentrique et auto-sabotante. Elle s'aliène ses amis et maintient une emprise aussi ténue sur l'éthique que sur la sobriété. McCarthy refuse de transformer son histoire – qui implique d'échanger une carrière chancelante d'écrivain contre un passage lucratif en tant que faussaire de lettres d'écrivains célèbres – en une parabole de rétablissement ou de rédemption.

Il s'agit de la façon dont Lee et son acolyte (le merveilleux Richard E. Grant) parient sur la survie, se rebellant contre le sort qu'un monde indifférent leur a préparé. Le titre du film pose une question honnête. Peut-être que vous ne pouvez pas pardonner à Lee ses erreurs et ses mensonges, son manque de considération pour les paroles et les sentiments des autres. Mais il n'y a aucun moyen de l'oublier.

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vingt-et-un

Catherine Deneuve

Au cours d'une longue carrière auprès d'un florilège d'auteurs, Deneuve a représenté un certain type de Française élégante, qu'elle incarne une femme ordinaire, une propriétaire de bistrot malchanceuse ou même une mère iranienne. Pour ce dernier rôle, dans l'animation Persepolis (2007). Deneuve a exprimé un personnage basé sur la mère de Marjane Satrapi. Nous avons demandé à Satrapi, qui a réalisé le film avec Vincent Paronnaud, d'expliquer pourquoi elle a sollicité Deneuve.


exposition d'amour (2008)

Si vous habitez en France, Catherine Deneuve en est le symbole. Quand je grandissais, elle était le rêve. Elle a toujours fait des choix trop avancés pour son époque, plus anarchistes que bourgeois. Elle a toujours eu l'air d'une parisienne très bourgeoise, ce qui n'est absolument pas vrai. C'est une rebelle qui ressemble à une grande dame.

La première fois que j'ai rencontré Catherine Deneuve, c'était comme rencontrer Dieu en personne. J'étais tellement impressionné. Et pourtant, je devais la diriger, et je n'osais rien lui dire. Les deux premières heures, j'étais complètement paralysé, et elle m'a calmé. Elle me l'a dit, parce que c'est une femme très généreuse : tu es la réalisatrice et je suis ton actrice. Dites-moi quoi faire et je le ferai. Elle ne l'a pas fait devant d'autres personnes. Elle a dit : Allons fumer une cigarette, et elle me l'a dit en privé.

Pour le personnage de la mère, j'avais besoin d'avoir quelqu'un qui ne soit pas cette mère éternelle qui est très jolie, car ce n'est pas ma mère. Ma mère est une personne très adorable mais elle est du genre : Tu fais ça. Vous faites cela. J'avais besoin de quelqu'un qui avait le pouvoir d'une femme qui veut que sa fille [rende sa vie] meilleure et plus émancipée. Catherine Deneuve a cette façon de parler qui n'est pas enjouée, car elle ne cherche pas à être sympathique. Elle est très franche. Quand elle vous parle, elle vous regarde droit dans les yeux.

Elle n'essaie pas d'être sympathique. Elle est très franche.

Il y a cette scène quand je rentre à la maison et que ma mère commence à me crier dessus : tu sais ce qu'ils font avec les jeunes filles en Iran ? Vous devez sortir de ce pays. Je me souviens quand elle l'a joué, elle était un peu décalée. Elle essaya de se contenir comme d'habitude. J'étais comme, non, Catherine, tu es vraiment folle. Elle l'a fait et elle a pleuré. C'était extrêmement émouvant.

Et pourtant, après toutes ces années, à chaque fois que je la vois, j'en ai le cœur battant. Elle est comme un lion. Elle n'est pas bruyante, elle ne fait pas de gestes. Mais même si elle est derrière vous et que vous ne la voyez pas, vous sentez qu'un félin est dans la pièce. C'est à la fois très excitant et très dangereux. Elle est féroce et intrépide, et j'aime ça chez elle.— Entrevue par Kathryn Shattuck

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vingt

Rob Morgan

A. O. SCOTTLes grands acteurs de personnages sont les maîtres du paradoxe, à la fois indélébile et invisible. On ne les reconnaît pas forcément d'un rôle à l'autre, mais ils laissent leur empreinte sur chaque film, valorisant l'ensemble même par petits morceaux.

Si vous avez vu Mudbound, Monsters and Men, The Last Black Man in San Francisco et Just Mercy – quatre films sortis entre 2017 et 2019 – vous connaissez Rob Morgan, que vous connaissiez ou non son nom.

En tant que condamné à mort dans Just Mercy, il est une présence particulièrement peu dramatique, un homme calme hanté par le remords, l'impuissance et la peur dont le sort résume l'argument humaniste du film.

Dans chacun des autres films, il incarne un père, dans le sud de Jim Crow et le nord urbain moderne – un homme qui en sait plus qu'il ne veut le dire. Les fils de ces films parlent le plus, mais Morgan donne une expression éloquente à des expériences qui se situent en dehors de l'histoire principale, même si elles l'ancrent dans une histoire plus large. Dans Last Black Man, il apparaît dans une poignée de scènes et ne prononce que quelques lignes, mais tout ce dont parle ce film – les plaisirs et les déceptions de la vie aux marges d'une ville idiosyncratique et en évolution rapide – est écrit sur son visage. Il écoute, il mâche des graines de tournesol, il joue quelques accords sur un vieil orgue à tuyaux, et après quelques minutes en sa présence, vous comprenez exactement ce qu'il faut savoir.

MANOHLA DARGISDe temps en temps, un petit film donne à un acteur une chance de grandir et de tenir le centre, ce que fait Morgan dans Annie Silverstein. Taureau (2020). Il incarne Abe, un ancien cavalier de rodéo avec des articulations raides, du sang dans les urines et une vie fragile. Ses jours de chevauchée de taureaux terminés, il travaille maintenant au sol comme torero, aidant à protéger les cavaliers tombés au combat. Le rôle d'Abe, heureusement, n'est pas écrasé, ce qui permet à Morgan de définir le personnage avec une performance incarnée de manière persuasive, celui dont la tête s'incline, les regards de côté et la présence retirée expriment un passé meurtrier et les instincts de protection d'un homme en émotion battre en retraite.

Bull ne devrait concerner que Abe, mais il se concentre plutôt sur sa relation avec Kris (Amber Havard), une voisine blanche et sans racines de 14 ans. Leurs destins se croisent amèrement après qu'elle ait été surprise en train de saccager sa maison et sont façonnés par l'optimisme immérité qui est à la base du cinéma américain. En d'autres termes, Abe et Kris se sauvent. Ce qui sauve le film, cependant, c'est la fenêtre que Morgan ouvre sur le cow-boy noir et comment la performance complique les mythes préférés de l'Amérique, y compris la figure du solitaire dur et stoïque. Abe ne vient pas du territoire de John Wayne; Abe arrive d'un pays totalement différent que Morgan rend viscéral, hanté et totalement vivant.

Diffusez Bull sur Hulu .

19

Wes Studio

Wes Studi a l'un des visages les plus saisissants de l'écran - saillant et plissé et ancré avec le genre d'yeux pénétrants qui insistent pour que vous correspondiez à leur regard. Les réalisateurs mineurs aiment utiliser son visage comme un symbole émoussé de l'expérience amérindienne, comme un masque de noblesse, de souffrance, de douleur qui n'est inconnaissable que parce que personne n'a demandé à l'homme qui le porte. Dans le bon film, cependant, Studi ne joue pas seulement avec la façade d'un personnage; il épluche ses couches. Maître de l'opacité expressive, il vous montre le masque et ce qui se cache en dessous, à la fois la pensée et le sentiment.

Il vous montre le masque et ce qui se cache en dessous.

Studi a sauté dans la conscience cinématographique en tant que guerrier huron vengeur dans l'épopée de Michael Mann Le dernier des Mohicans (1992), un personnage que l'acteur véhicule avec une physique puissante et des intensités de mépris, d'impatience, de ressentiment, de fureur. Faire beaucoup avec peu a été une constante dans la carrière cinématographique de Studi, qui comprend des rôles significatifs dans Le nouveau Monde (2005) et Avatar (2009). Comme beaucoup d'acteurs, il a fait sa part de travail oubliable, fait des films d'exploitation et du fourrage à la télévision. Souvent spécifiquement interprété comme un Amérindien, il a joué Geronimo et Cochise; il pourrait réparer plus de torts de film si les westerns étaient toujours populaires. Et si l'industrie était aventureuse, il pourrait également jouer plus de types comme le superviseur d'un refuge pour sans-abri à Être flynn (2012), un homme qui ne porte pas ce que Studi appelle cuirs et plumes.

Instructif, il ne porte ni dans Scott Cooper's Hostile (2017), sur la vie et la mort dans l'Amérique de la fin du XIXe siècle. Studi incarne le chef Yellow Hawk, un prisonnier Cheyenne mourant que le gouvernement fédéral a accepté de retourner sur ses terres ancestrales. Le film s'intéresse en grande partie à son escorte, un haineux indien ruiné par la guerre joué par Christian Bale, la star. Une fois de plus, Studi offre un tour de soutien qui complète la performance principale - l'indifférence de son personnage à la rage de l'escorte est un mur qui ne peut pas être brisé - et aide à équilibrer l'équilibre de l'histoire. Yellow Hawk a survécu assez longtemps pour mourir selon ses conditions, survie que Studi fait un dernier acte de maîtrise de soi.

Diffuser Hostiles sur Netflix .

18

Willem Dafoe

L'acteur a été une présence vitale dans des films aussi différents que L'ombre du vampire (2000) et The Florida Project (2017), pour lesquels il a reçu des nominations aux Oscars. Il a également été nominé pour avoir joué van Gogh dans le biopic de Julian Schnabel, Aux portes de l'éternité (2018). Nous avons demandé à Schnabel pourquoi il s'était tourné vers Dafoe.

Willem et moi nous sommes rencontrés il y a plus de 30 ans. Il a toujours vécu dans le quartier, et nous avions beaucoup d'amis en commun. Oliver Stone tournait The Doors à New York, et nous étions sur le plateau un soir et c'était la première fois que nous commencions vraiment à parler.

Une chose qui est super importante, c'est qu'il est un acteur très généreux. Il se soucie des performances des autres et de les aider en étant disponible dans tout ce qu'il fait. Il est très, très loyal et très, très intelligent. Si vous avez quelqu'un d'intelligent, il peut l'améliorer.

C'est un acteur très généreux. Il se soucie des performances des autres.

[Pour At Eternity's Gate] J'avais besoin de quelqu'un qui aurait la profondeur de caractère pour jouer van Gogh. Et il ne s'agissait pas seulement de lui ressembler. C'était quelqu'un qui pouvait avoir assez d'expérience de la vie pour être ce type. Les gens pensaient, eh bien, Willem a 60 ans, van Gogh en avait 37 quand il est mort. Cela ne me concernait pas. Vous devez juste avoir l'intuition de faire confiance à quelqu'un et de penser qu'il peut faire quelque chose. Je fais implicitement confiance à Willem. Et ce niveau de confiance va dans les deux sens.

Il y a des trucs que nous avons tournés à Arles après son arrivée que nous n'avons pas pu utiliser. Il portait les mêmes vêtements, avait la même coiffure, mais il n'était pas encore le gars. Puis il y a eu un certain moment où tout d'un coup il l'a été. Il était transformé, transfiguré. C'était quelqu'un d'autre.

L'une de mes scènes préférées est celle où il parle au jeune Dr Rey, qui le voit après s'être coupé l'oreille et il lui garantit qu'il pourra peindre quand il sera dans l'institution. Cette interaction est extraordinaire, ce que Willem y fait. Il est essentiellement assis à une table et il n'y a pas beaucoup de place pour bouger. Mais ce qui se passe sur son visage dans sa réponse à ce que le jeune médecin lui dit - et aussi en réponse à toutes les autres pensées qui semblent traverser son esprit à ce moment-là - est un paysage d'événements et une vie intérieure comme de l'écume. venant au sommet d'une crème d'oeufs à la vanille.— Entrevue par Kathryn Shattuck

Louer ou acheter À Eternity's Gate sur la plupart des principales plates-formes.

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17

Alfre Woodard

Dans un monde juste, il y aurait une liste éclatante de grandes performances pour remplir cette entrée, une collection de matriarches, d'héroïnes romantiques, de divas et de méchants pour refléter la gamme complète des dons d'Alfre Woodard. De tels rôles sont toujours rares pour les femmes noires, mais même dans de petits rôles dans des films ou des séries télévisées mineurs, Woodard est une présence inoubliable, à la fois royale et tout à fait réelle.

Les deux films qui lui ont fait le plus de place — celui de Steve McQueen 12 ans d'esclavage (2013) et Chinonye Chukwu’s Clemency (2019) – tous deux placent la question de la justice au premier plan. Dans chacun, Woodard doit affirmer la dignité et l'intégrité éthique de son personnage face à des circonstances incroyablement cruelles. Bernadine Williams, la gardienne de la prison de Clemency dont le travail comprend la supervision des exécutions, trouve son professionnalisme de plus en plus en contradiction avec son humanité. En 12 ans, Mistress Shaw, une femme esclave dont la relation avec un propriétaire de plantation lui a apporté un certain privilège, a négocié avec un système basé sur sa déshumanisation.

L'art de Woodard, son engagement envers la vérité, c'est ce que vous voyez.

Les contradictions auxquelles Bernadine et Mistress Shaw sont confrontées sont plus grandes que n'importe quel individu. Ce que Woodard fait, c'est les rendre personnels. La maîtrise de soi est une question de survie, et Woodard met son visage dans une image de décorum approprié, se faisant passer pour la dame méridionale distinguée ou le bureaucrate efficace que la situation exige. Elle ne laisse pas tant glisser les masques – sauf peut-être dans les scènes finales dévastatrices de Clémence – que de montrer le coût et le soin qu'il faut pour les porter. Les personnages se produisent également, jouant leurs rôles pour des enjeux mortels, et l'art de Woodard, son engagement envers la vérité, est ce que vous voyez dans l'espace entre leur apparence et qui ils sont.

Diffusez les deux Clémence et 12 ans d'esclavage sur Hulu.

16

Kim Min Hee

Dans Right Now, Wrong Then (2016) de Hong Sang-soo, une femme et un homme se rencontrent. Ils boivent et boivent encore et se séparent avec colère pour se rencontrer dans la seconde moitié du film comme pour la toute première fois, une configuration qui évoque le jour de la marmotte. Encore une fois, ils vont dans un café, un studio, un restaurant. Pourtant, bien que leurs actions restent généralement les mêmes, tout comme l'arc général de la soirée, suffisamment de choses ont changé – la façon dont ils se regardent, les inflexions de leur voix – pour transformer cette deuxième rencontre en quelque chose de différent.

La performance extrêmement nuancée de Kim Min-hee est au centre du film, et l'actrice elle-même est depuis au cœur du travail de Hong, apparaissant dans la plupart de ses films suivants. Auteur d'art et d'essai établi, Hong raconte des histoires à échelle modeste, formellement ludiques, sensibles aux imperfections humaines et trempées dans le soju. Des choses familières arrivent, parfois inconnues. La répétition est souvent un objectif narratif, ancré dans la vie et magnifiquement servi par l'expressivité lucide de Kim.

Dans le canon minimaliste de Hong, la vie se condense dans les moments du quotidien, dans les conversations et dans la façon dont les corps se penchent l'un vers l'autre. Les différences entre les deux moitiés de Right Now, Wrong Then révèlent de nouvelles facettes des personnages et créent de nouvelles tensions entre eux. Ils laissent aussi libre cours à la tessiture de Kim, lui permettant de jouer avec les intonations, les gestes, les regards vacillants. Pourtant, alors que les deux sections du film ressemblent à des variations de la même histoire, sa performance ressemble plus à une fusion alors que – sourire après sourire, avec des regards déviés et fixes – Kim rassemble le personnage dans un tout.

Elle va grand et petit, vire de monstrueuse à souris.

Elle a opté pour le baroque dans Park Chan-wook La servante (2016), son film le plus connu. Dans ce drame étrange et souvent perversement drôle qui se déroule en Corée dans les années 1930, elle incarne un noble japonais qui a été sauvé de son oncle déviant par ses ruses et par une autre femme. Les excès flamboyants et les rebondissements narratifs de l'histoire permettent à Kim d'utiliser tous les outils de sa boîte de travail. Elle va grand et petit, passe de monstrueuse à souris, et cache alternativement les sentiments de son personnage et les laisse se déchaîner. Son corps se balance et son visage se déforme alors que la peur et la douleur cèdent la place à l'extase et à la libération. Le personnage est un mystère que le film taquine mais que Kim déverrouille avec délire.

Diffusez La servante sur Amazon Prime Vidéo .

quinze

Michael B. Jordan

Michael B. Jordan a joué les avocats, les athlètes et les super-héros, mais avant même que sa gamme ne devienne claire, le réalisateur Ryan Coogler a voulu travailler avec lui. Coogler a réalisé trois longs métrages (Fruitvale Station, Creed et Black Panther) et Jordan stars ou co-stars dans chacun d'eux. Nous avons demandé au réalisateur d'expliquer ce qui nous attire chez l'acteur.

J'ai rencontré Mike en 2012 alors que je faisais des recherches et que je travaillais sur le scénario de Vallée des fruits. Il était celui que j'ai décidé qu'il serait le mieux pour le rôle avant que je le rencontre, d'après les autres travaux que je l'avais vu faire – quelques films cette année-là, Red Tails et Chronicle, et un tas de trucs dans l'espace télé . Mais je pensais qu'il pouvait jouer Oscar. Il lui ressemblait, mais aussi ce que j'ai vu était cette capacité à vous faire sympathiser avec lui. Tous les acteurs n'ont pas cette chose, lorsque vous vous souciez immédiatement de quelqu'un et que cela déclenche une réaction empathique. Il avait ça. Il a également une boîte à outils très avancée en tant qu'acteur.

Ce que j'ai vu, c'est cette capacité à vous faire sympathiser avec lui.

Il a été dans tous les longs métrages que j'ai fait. Et je continue de le lancer parce qu'il est la meilleure personne pour le travail. Creed [2015] avait un autre personnage que je pensais qu'il pourrait bien jouer. Avant que Mike ne soit acteur, il était athlète, de retour à l'école primaire et au lycée. Il avait joué des athlètes à la télévision, le plus célèbre étant Friday Night Lights, donc certaines des choses que nous savions que son personnage devrait faire dans Creed, Mike se sentait bien pour cela. C'était une partie de lui qui n'avait pas une grande portée.

Et en] Panthère noire [2018], avec lui et Chadwick face à face et face à face, cela ressemblait à un événement. Leurs étoiles montaient. Ils étaient tous les deux des hommes de premier plan au moment où nous avons tourné ce film.

Maintenant, ce qui est excitant pour nous de vieillir dans l'industrie, c'est de travailler ensemble dans différentes capacités. Il fait beaucoup de choses derrière la caméra maintenant. Et nous avons des opportunités de travailler ensemble au-delà de l'acteur et du réalisateur.

Il est très ambitieux d'une manière qui est attachante. Il veut toujours pousser et se challenger plus loin. Et cela se ressent dans ses performances, mais aussi dans le sens commercial. Cette ambition le maintient ouvert d'esprit. Il surveille tout et ne veut pas se couper de certains genres ou opportunités. Je pense donc que le ciel est la limite pour lui et sa carrière.— Propos recueillis par Mekado Murphy

Diffusez Black Panther sur Disney + .

14

Oscar Isaac

A. O. SCOTTBien que je puisse prendre ou laisser les films Star Wars récents, j'ai un faible pour certains des personnages, en particulier Poe Dameron, le flyboy de la résistance qui est le charmeur désigné de la troisième trilogie. En tant que Poe, Oscar Isaac est une présence attrayante et décontractée dans ces films, un gars qui semble savoir ce qu'il fait.


L'acteur Kirk Douglas est-il toujours en vie

Ses personnages ne sont pas toujours aussi chanceux ou sûrs d'eux-mêmes, mais l'homme lui-même opère avec la précision de quelqu'un qui a suffisamment confiance en ses compétences pour se lancer dans un nouveau territoire risqué. L'été d'avant À l'intérieur de Llewyn Davis (2013) est sorti, Joel et Ethan Coen nous ont dit qu'ils avaient à l'origine voulu engager un musicien bien connu dans le rôle titre. Au lieu de cela, ils ont trouvé Isaac, qui leur a dit (selon Joel) que la plupart des acteurs, si vous leur demandez s'ils jouent de la guitare, ils diront qu'ils ont joué de la guitare pendant 20 ans, mais ce qu'ils veulent vraiment dire, c'est qu'ils ont possédé une guitare depuis 20 ans. Isaac pourrait réellement jouer. Quand je pense à ce qui le rend si crédible en tant qu'acteur, c'est la première chose qui me vient à l'esprit. Non pas parce que jouer de la guitare est si important, mais parce que tout ce qu'Isaac prétend faire à l'écran : vendre du mazout (dans l'année sous-estimée A Most Violent Year, (2014) ; inventer des robots sexy (dans Ex Machina) ; voler un X-wing combattants - je crois toujours qu'il sait vraiment comment le faire, et que je regarde une sorte de maîtrise authentique en action.

MANOHLA DARGISLorsque les acteurs font une première impression profonde, ils sont parfois liés à vos idées sur ce qu'ils peuvent faire. Après Llewyn Davis, j'ai associé Isaac à une défaite émouvante, avec un courant sous-jacent de ressentiment à contrecœur. Quelques autres rôles ont renforcé cette idée de son deuil inné, notamment sa performance en tant que maire assiégé dans la série HBO Show Me a Hero (2015). Cela est en partie dû à son apparence sombre et romantique et à la façon dont ses sourcils encadrent ses yeux luxueusement fouettés. Et puis il y a sa voix, sa jolie sonorité mais aussi comment sa résonance crée l'intimité. Même lorsqu'il y met du nasal, sa voix conserve une qualité de proximité, l'une des raisons pour lesquelles elle se sent souvent, sonne comme si Llewyn chantait plus pour lui-même que pour le public. La voix d'Isaac adoucit également sa beauté, vous attirant. Parfois, cependant, comme dans Ex Machina, il utilise cette intimité pour quelque chose d'insinuant, de sinistre.

Isaac a un rôle de soutien dans Ex Machina (2015), mais il est vital pour son ambiance et sa puissance. Il incarne Nathan, un milliardaire technologique semblable au Dr Frankenstein impliqué dans l'intelligence artificielle qui construit (et détruit) de belles femmes androïdes. Remplaçant sauvagement critique des maîtres d'aujourd'hui de l'univers numérique, Nathan aurait facilement pu dominer le film. Isaac garde à la place son propre charme sous contrôle, laissant la chair de poule du personnage empoisonner l'air. Les humeurs changeantes et les regards surprenants de Nathan - sa tête rasée et sa barbe pleine, ses lunettes et ses muscles coupés - rendent difficile l'obtention d'une perle sur lui. Mais quand il s'effondre soudainement, exécutant une danse incroyable, Isaac met à nu tout ce que vous devez savoir sur Nathan dans la précision géométrique de ses mouvements chorégraphiés et la folie dans ses yeux. C'est 30 secondes de pur génie.

Louer ou acheter Ex Machina sur les principales plateformes de streaming.

13

Tilda Swinton

MANOHLA DARGISLa femme aux mille visages d'un autre monde, Tilda Swinton a créé suffisamment de personnages - avec des perruques, des costumes et des accents incalculables - pour en faire une liste. C'est une star, une actrice de personnage, une artiste de performance, une extraterrestre, une escroc. Son visage pâle et bien raboté est une toile idéale pour la peinture et les prothèses, et capable d'une immobilité déconcertante. Vous voulez la lire mais vous ne pouvez pas. Cela contribue à faire d'elle une méchante formidable, qu'elle joue un démon, une reine ou un avocat d'entreprise. Dans Julia (2009), elle laisse tomber ce mur pour jouer un alcoolique incontrôlable et un voleur d'enfants, donnant une performance à plein régime qui est si viscérale et transparente que vous pouvez voir les pensées du personnage furieusement au travail, comme de petits parasites se déplaçant sous la peau.

A. O. SCOTTNous aimons faire l'éloge des acteurs pour la portée, mais c'est un mot presque ridiculement inadéquat pour le changement de forme radical que Swinton accomplit. Il suffit de regarder un volet de sa carrière : son travail avec Luca Guadagnino, un cinéaste qui partage son plaisir de se réinventer. Dans Je suis l'amour (2010), elle a joué l'épouse russe d'un aristocratique italien, donnant une performance en deux langues et dans la tonalité d'un pur chagrin mélodramatique. Dans Une plus grande éclaboussure (2016), elle n'avait pratiquement aucun langage : elle a décidé qu'il serait intéressant que son personnage de diva glam-rock soit rendu muet par une opération de la gorge. Dans Suspiria (2018), elle a exécuté l'un de ses nombreux doublages, apparaissant en tant que membre d'un clan de sorcières balletomanes et également en tant que survivant de l'Holocauste de sexe masculin âgé.

DARGISCe doublement façonne ses performances les plus androgynes, où elle brouille sans effort le genre, confirmant (encore une fois) l'inadéquation de catégories comme l'homme et la femme. Elle est les deux ; elle n'est ni l'un ni l'autre. Un doublement différent se produit lorsqu'elle joue des jumeaux, dans le film Hail, Caesar ! (en tant que chroniqueurs de potins rivaux) et à Okja l'année suivante (en tant que capitaines d'industrie très cruels visuellement distincts). Dans chacun d'eux, Swinton nous montre les deux faces d'une même personne, tout comme elle le fait dans Michael Clayton (2007) lorsque son avocat répète un baratin trompeur devant un miroir. Alors que l'avocate parle, marque une pause et laisse tomber son sourire, vous la voyez essayer désespérément de contrôler un reflet qui se fissure déjà.

SCOTTCes rôles peuvent être théâtraux, mais ils ne semblent presque jamais fantaisistes. Swinton a ses racines dans une tradition d'avant-garde - plus tôt dans sa carrière, elle a travaillé avec Derek Jarman et Sally Potter - qui met l'accent sur la mutabilité de l'identité et les frontières floues entre artifice et authenticité. Au cours des 20 dernières années, elle a apporté une partie de la rigueur intellectuelle et de l'audace conceptuelle de ce travail à Hollywood et au-delà. Elle n'est pas seulement une interprète particulièrement excitante, mais aussi l'une des grandes théoriciennes vivantes de la performance.

Tous ces films de Tilda Swinton sont disponibles sur principales plateformes de streaming .

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Joaquin Phoenix

Joaquin Phoenix est apparu dans quatre des films du réalisateur James Gray, à commencer par les chantiers en 2000 et incluant We Own the Night (2007), Two Lovers (2009) et The Immigrant (2014). Nous avons demandé à Gray d'expliquer comment l'acteur s'est développé – et s'est amélioré – selon sa propre vision.

Quand j'ai vu To Die For, j'ai dit, cet acteur – je ne connaissais même pas encore son nom – est incroyablement doué pour transmettre sa vie intérieure sans dialogue. C'est une chose très importante au cinéma, car la caméra révèle tout. Voici un acteur qui avait tellement de choses à faire et ça se voyait. J'ai pensé, c'est un acteur très intéressant. J'adorerais le rencontrer. Et j'ai fait.

Nous étions sur la même longueur d'onde, instantanément. Nous aimions les mêmes choses. Nous avons pensé les choses de la même manière. Et je l'ai tout de suite aimé. Il avait cette dimensionnalité pour lui. Le premier film que nous avons fait ensemble [The Yards], je suis sûr que je l'ai beaucoup énervé. J'ai un chemin très direct. Parfois c'est bien et parfois ce n'est pas si bien. Je suis meilleur maintenant. Disons simplement que je n'étais pas toujours disposé à dire, oui, c'est intéressant, mais essayons ceci. J'étais plus intéressé, Joaq, qu'est-ce que tu fais ? C'est nul, essayez-en un autre. Et je sais que je le frustrerais parce que son talent était si vaste.

Il a une capacité illimitée à vous surprendre de la meilleure des manières et à vous inspirer pour aller dans une direction à laquelle vous n'avez pas pensé à l'origine, mieux que ce que vous avez en tête, et élargit l'idée. Il est extrêmement inventif. Il pense toujours et est devenu de plus en plus au fil des ans. Je n'ai jamais dit, je veux ma vision à l'écran. Je veux quelque chose de mieux que ça. Vous voulez définir les paramètres de ce que vous avez en tête, puis vous entourer de personnes qui rendront tout plus beau. Pas différent, forcément, mais plus intense, plus vivant.

Il a une capacité illimitée à vous surprendre de la meilleure des manières.

Vous voulez que l'acteur vous surprenne, et ce d'une manière qui semble cohérente avec le personnage mais aussi très intéressante. Joaquin était absolument fantastique à ça. C'est inspirant. Vous ne savez pas à quoi vous attendre dans le meilleur sens du terme. Joaquin Phoenix est l'une des meilleures choses qui me soient jamais arrivées. Si j'ai le moindre regret, ce serait qu'il n'est pas dans tous les films que j'ai faits.— Propos recueillis par Candice Frederick

Diffusez Les chantiers sur Accès illimité à CBS .

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Onze

Julianne Moore

A. O. SCOTTLa malheureuse ménagère américaine – souriante pour garder les apparences face à la tragédie domestique et aux troubles intérieurs – est un archétype de film durable. C'est celui que Julianne Moore a à la fois exploré et explosé, dans Les heures (2002) et surtout dans ses collaborations avec Todd Haynes comme Loin du ciel (2002).

Ce film se déroule dans le Connecticut dans les années 1950, mais c'est un paysage ostensiblement stylisé, évocateur des mélodrames hollywoodiens de cette période. Cathy et Frank Whitaker (Moore et Dennis Quaid) sont chacun tirés de leur mariage étouffant par des désirs interdits : Frank pour d'autres hommes, Cathy pour Raymond Deagan, un paysagiste noir (Dennis Haysbert). Ces transgressions ne sont ni symétriques ni intersectionnelles. Dans leur chagrin, leur humiliation et leur désir, Frank et Cathy n'ont aucune consolation à s'offrir.

Moore aurait pu mettre l'angoisse de Cathy entre guillemets, évoquant les divas souffrantes du cinéma des années 50 tout en faisant un clin d'œil à un public moderne contemplant le mauvais vieux temps à une distance esthétique sûre. Au lieu de cela, elle va jusqu'au bout, regardant de l'âme d'une femme enracinée dans son temps et absolument moderne, piégée par les règles et les apparences et aussi – terrifiante et passionnante – libre.

MANOHLA DARGISMalheureuses ou pas, les épouses peuvent être des impasses pour les actrices et pour beaucoup il arrive un moment où elles sont bannies à jamais dans la cuisine. Moore a joué beaucoup d'épouses et de mères, mais les siennes sont parfois plus complexes et surprenantes que ses films, un indice de sa sensibilité et de son talent. L'une des raisons pour lesquelles elle sort ses personnages des stéréotypes est qu'elle joue avec les codes du réalisme, qu'elle livre une performance naturaliste (Still Alice, le mélodrame de 2014 sur un professeur atteint de la maladie d'Alzheimer) ou hyperbolique (la satire 2015 de David Cronenberg Maps to the Stars, où elle est une hyène d'Hollywood). Moore peut magnifiquement extérioriser l'état intérieur d'un personnage, de sorte que vous voyez des sentiments faire surface sur sa peau. Mais c'est une artiste des extrêmes, et elle et Cronenberg s'amusent à jouer avec ses visages de gargouille.

Pour la plupart, son travail dans Gloria Bell (2019) est dans une clé réaliste. Elle incarne le personnage principal, une travailleuse d'assurance divorcée au cœur généreux avec deux enfants adultes, un ex qu'elle ne déteste pas et un appartement désespérément solitaire. Le film lui-même est modeste, intime, réfléchi et riche en détails humains. Gloria commence une liaison avec un homme. Ça se passe mal, ils se séparent. Il ne se passe pas grand-chose en termes ordinaires de cinéma, mais tout se passe parce que Gloria aime et est aimée à son tour. C'est une histoire qui aurait pu conduire à des seaux de morve et à un showboating vide. Mais Moore et le réalisateur Sebastián Lelio transcendent l'évidence. Ils ne créent pas simplement une histoire sur les sentiments d'une femme - et son être - alors qu'elle tombe amoureuse; ils créent un paysage d'émotions, la texture et la forme d'une sensibilité. La Gloria de Moore ne pleure pas et ne rit pas ; elle vous montre à quoi ressemble l'amour de l'intérieur. C'est un miracle d'une performance.

Diffusez Gloria Bell sur Mais zone Prime Vidéo .

dix

Saoirse Ronan

De combien de manières différentes une personne peut-elle devenir majeure ? Grandir est une grande partie de ce que font les jeunes dans les films, mais peu d'acteurs le font depuis si longtemps, ou avec une telle nuance, intelligence et variété que Saoirse Ronan. Elle a mûri sous nos yeux pendant plus de la moitié de sa vie (elle a 26 ans) devenant plus sage, plus triste, plus libre et plus elle-même dans chaque nouveau rôle.

Bien sûr, ce sont surtout les personnages qui subissent ces changements. Eilis Lacey ( Brooklyn, 2015) trouve l'amour et l'indépendance dans sa nouvelle maison ; Christine McPherson ( Lady Bird, 2017) apprend à apprécier sa mère ; Jo March (Little Women, 2019) retrouve sa voix d'écrivain. Ronan elle-même, habitant ces femmes et ces filles dans toute leur particularité, a été d'une cohérence presque déconcertante, dans une maîtrise complète et disciplinée de ses dons dès le début.

Une maîtrise complète et disciplinée de ses dons dès le départ.

Dans Expiation, sa performance en petits groupes de 2007, elle a joué Briony Tallis, une jeune fille de 13 ans perspicace qui pense qu'elle comprend mieux le monde des adultes qu'elle ne le fait. Ronan ne correspond pas seulement à la précocité de Briony; elle communique également le mélange instable d'insécurité enfantine et de jalousie romantique qui fait que cette fille insouciante, nécessiteuse et à moitié innocente se sent vraiment dangereuse.

Et ce sentiment de danger persiste, que son personnage soit vulnérable (comme dans The Lovely Bones, 2009) ou violent (comme dans Hanna, 2011). Même lorsqu'elle est dans des drames d'époque apaisés ou des comédies douces de la vie domestique, Ronan apporte une précision de vif-argent qui est passionnante et un peu troublante à regarder. C'est parce qu'autant qu'elle capture le climat émotionnel et le langage corporel spécifique d'une reine écossaise du XVIe siècle ou d'un adolescent californien du XXIe siècle, ce qu'elle transmet encore plus clairement est la façon dont ces gens pensent, ce qu'ils ressentent. être dans leur tête.

Cela peut sembler une approche cérébrale et intellectualisée du jeu d'acteur, mais c'est vraiment le contraire. L'ambition la plus radicale et la plus révélatrice qu'un acteur puisse concevoir est d'habiter une autre conscience et d'entraîner le public dans ce voyage parapsychologique. C'est plus que simplement disparaître dans un rôle ou activer méthodiquement des mémoires parallèles. C'est une sorte de renaissance auto-autorisée, comme si Athéna pouvait jaillir non du front de son père, mais du sien. Cela peut être terrifiant à voir, mais le génie l'est souvent.

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9

Viola Davis

Viola Davis a travaillé avec Denzel Washington à plusieurs reprises au cours des 20 dernières années - qu'il soit réalisateur (Antwone Fisher, 2002), star (jouant Troy Maxson à Rose Maxson dans le drame familial August Wilson Clôtures à Broadway puis au cinéma en 2016) ou productrice (il l'a engagée dans le rôle-titre dans le prochain drame jazz de Wilson Ma Rainey's Black Bottom). Nous lui avons demandé d'expliquer ce qui la rend si formidable :

Je savais qu'elle était une grande actrice quand elle a auditionné pour Antwone Fisher il y a 20 ans. J'ai expérimenté sa puissance, sa force et son talent [pendant le tournage]. Elle est arrivée prête, dans son personnage, et je l'ai simplement laissée seule. Ce n'était vraiment rien à lui dire mais merci et faisons-en un de plus.

C'est un talent unique dans une génération. Vous ne le savez pas toujours tout de suite, mais nous l'avons tous vécu au fil du temps. Quand j'étais avec elle dans la pièce [Fences], même en répétition, c'était comme, Oh, d'accord, c'est une centrale électrique. Elle a une grosse scène quand elle décharge enfin sur Troy; vers la troisième semaine de répétition, elle montra où elle allait. Et j'étais genre, je ferais mieux de la rattraper. Je dois me concentrer.

Nous avons eu un énorme succès, donc il n'y a jamais eu de question sur qui allait jouer le rôle dans le film. Et une femme puissante, forte et humble. Le réalisateur [George C. Wolfe] a dû la convaincre [sur Ma in Ma Rainey's Black Bottom]. Je l'ai fait aussi. Elle était comme, je ne peux pas chanter. Je n'ai pas de rythme, tout ce genre de trucs.

Elle peut faire ce qu'elle veut. Elle a autant de capacités.

Je lui fais entièrement confiance. Pourquoi quelqu'un veut-il jouer dans un groupe avec Miles Davis ? Parce que c'est un grand collaborateur, innovateur, artiste. Elle est la même chose. Elle peut faire ce qu'elle veut. Elle a autant de capacités. Elle est l'une des meilleures interprètes de matériel avec qui j'ai eu l'occasion de collaborer.— Propos recueillis par Candice Frederick

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8

Zhao Tao

MANOHLA DARGISDepuis 2000, l'actrice chinoise Zhao Tao et le réalisateur Jia Zhangke ont réalisé plus d'une douzaine de longs et courts métrages, drames et documentaires ainsi que des œuvres qui résistent à une catégorisation aussi soignée. Leur alliance cinématographique est si holistique et familière qu'il est difficile d'imaginer à quoi ressembleraient ces films sans le visage et la présence de Zhao. Elle est souvent appelée sa muse (ils sont mariés), mais cela ne permet pas de saisir la richesse de sa contribution - sa poésie, son symbolisme et sa granularité émotionnelle.

Dans les films de Jia, les gens marchent beaucoup et personne n'a parcouru plus de kilomètres que Zhao, souvent en temps réel. Ancienne professeur de danse, Zhao se déplace avec aisance et fluidité, que ses personnages déambulent dans un couloir (Le Monde en 2005) ou déambulent dans une école abandonnée (24 City en 2009). Dans Still Life (2008), Zhao incarne Shen Hong, qui cherche son mari dans une ville ancienne qui va être inondée pour un barrage controversé. Shen Hong est souvent vue en plan moyen et long, mais quand quelqu'un lui demande si elle est pressée, Jia la coupe en gros plan. Pas vraiment, dit-elle, son visage se remplissant de regrets ou peut-être de souvenirs juste avant qu'elle ne franchisse la porte.

Les nombreux voyageurs de Jia cartographient la Chine histoire par histoire, quelle que soit leur destination littérale ou métaphorique. C'est peut-être pour cette raison que la posture de Zhao semble si frappante. Même lorsque ses personnages dérivent, ils le font avec le dos droit.

A. O. SCOTTLa transformation en cours de la Chine – sa mode, sa musique, son économie, son architecture et sa topographie – est le sujet de tous les instants de Jia, et Zhao est son avatar et son cas de test. C'est une sorte de Everywoman, c'est-à-dire qu'elle incarne de nombreuses femmes différentes, parfois dans l'espace d'un même film.

Dans Ash Is Purest White (2019), elle incarne Qiao, qui débute dans le cadre d'un couple de gangsters dans la ville industrielle de Datong, dans le nord du pays. Elle et son amant, Bin, sont intrépides et glamour, même si Qiao est liée par son père à un monde plus ancien de conseils ouvriers et de dureté prolétarienne. Nous sommes au début des années 2000, et tout ce qui concerne Qiao – ses cheveux, ses vêtements, la façon dont elle arpente les boîtes de nuit étincelantes et les usines délabrées – exprime sa confiance dans la modernité et sa place dans celle-ci.

Puis tout s'effondre. Sa loyauté envers Bin la conduit en prison et lorsqu'elle est libérée, il est parti. Ses voyages, en bateau, à pied, à moto et en train, l'emmènent dans une longue et épuisante odyssée jusqu'à son point de départ. Sa souffrance est implacable, mais son stoïcisme la rend parfois presque comique, comme si elle était à la fois l'héroïne d'un vieux mélodrame hollywoodien et le protagoniste d'une pièce de Samuel Beckett. La performance est une merveille d'endurance, enracinée dans la terre mais aussi plus grande que nature.

Stream Ash Is Purest White sur Amazon Prime Vidéo .

7

Toni Servillo

Toni Servillo est probablement mieux connu du public américain pour La grande beauté (2013), la tournée oscarisée de Paolo Sorrentino sur les voies décadentes de l'élite culturelle romaine moderne. Ce film est ce que Pauline Kael a appelé une fête déguisée en âme-malade de l'Europe, avec Servillo, jouant un écrivain aux réalisations minces et à la grande réputation, en tant que maître des réjouissances. Avec son beau visage ridé et sa mercerie impeccable, Servillo rappelle une version plus établie du papillon social joué par Marcello Mastroianni dans La Dolce Vita - un participant-observateur détaché et vaguement déprimé dans un spectacle tourbillonnant d'hédonisme.

Si vous tirez sur le fil de la collaboration de Servillo avec Sorrentino, vous trouvez quelque chose de plus intrigant et substantiel que la beauté. Les deux ont travaillé ensemble sur cinq longs métrages, dont le premier réalisateur de Sorrentino, One Man Up, et ont développé une symbiose qui rappelle certains des grands partenariats acteur-réalisateur du passé : Martin Scorsese et Robert De Niro ; Vittorio De Sica et Sophia Loren ; John Ford et John Wayne.

De telles analogies sont insuffisantes. Servillo a été l'avatar central de l'excavation par Sorrentino de la corruption et de l'hypocrisie - mais aussi de la gloire improbable et de la résilience absurde - de l'Italie moderne. Il a notamment incarné deux des leaders politiques réels les plus puissants et polarisants de l'histoire récente du pays : Giulio Andreotti (dans le scabreux et satirique Il Divo, 2009) et Silvio Berlusconi (dans l'épopée et étrangement tendre Loro, 2019 ).

Apprécier l'ampleur de cette réalisation nécessite une autre série d'analogies. Imaginez si le même acteur était choisi pour incarner à la fois Richard Nixon et Barack Obama, ou Winston Churchill et Margaret Thatcher. Andreotti, septuple Premier ministre et premier acteur du Parti démocrate-chrétien au pouvoir de longue date, était un opérateur de coulisses notoire, astucieux et presque sans charisme. Berlusconi, également un premier ministre en série, n'était que fanfaronnade et charme, repoussant louche pour certains Italiens et infiniment magnétique pour d'autres.

Ni Il Divo ni Loro ne sont un biopic conventionnel, et Sorrentino n'est pas réaliste. Ces films se délectent du théâtre du pouvoir, et Servillo, au maquillage grotesquement artificiel, ressemble parfois à une marionnette ou à un dessin animé politique. Il met l'accent sur la ruse reptilienne et la vanité secrète d'Andreotti, ainsi que sur la désinvolture et l'apitoiement de Berlusconi. Même si vous n'êtes pas familiarisé avec les traditions sordides de la politique italienne, vous pouvez ressentir l'énergie comique sauvage de ces performances et le feu moral qui les sous-tend. Ce sont de vraies personnes ! Ces choses – meurtres, pots-de-vin, double-croix, orgies – sont vraiment arrivées !

Il rend vivante l'humanité extravagante - et le mystère profond - des hommes qui vivent pour plier le monde à leur volonté.

Mais ce que fait Servillo est plus qu'une satire de sketch-comédie supérieure. Tel un acteur shakespearien plongeant dans la majesté et la monstruosité des rois anciens ou imaginaires, il rend vivante l'humanité extravagante - et le mystère profond - des hommes qui vivent pour plier le monde à leur volonté. Il capture aussi leur solitude.

Diffusez Loro sur Hulu ; louer ou acheter Il Divo sur les principales plateformes de streaming.

6

Chanson
Kang Ho

L'acteur coréen Song Kang Ho a probablement attiré l'attention de la plupart du public américain pour la première fois dans Parasite, lauréat de l'Oscar du meilleur film de 2020, dans le rôle d'un patriarche appauvri et complice. C'était sa quatrième collaboration avec le réalisateur Bong Joon Ho, et nous avons demandé au cinéaste d'expliquer pourquoi il a choisi la star encore et encore.

J'ai vu pour la première fois Song Kang Ho dans Poisson vert, le premier long métrage du réalisateur Lee Chang-dong. Il a joué un petit gangster rural, et sa performance était si incroyablement réaliste qu'une rumeur a circulé parmi les réalisateurs selon laquelle il était un vrai voyou. J'ai appris plus tard qu'il était un acteur qui avait longtemps été actif sur la scène théâtrale de Daehak-ro.

Bien que j'étais premier assistant réalisateur à l'époque et pas encore réalisateur, j'avais envie de le rencontrer. Alors, je l'ai invité au bureau pour un café en 1997. C'était plus une conversation informelle qu'une audition, mais je pouvais dire qu'il avait l'étoffe d'un mastodonte.

Quand j'écrivais mon deuxième film, Souvenirs de meurtre (2005) J'avais Song fermement en tête pour jouer le détective country qui est coincé dans ses vieilles habitudes et a une foi aveugle dans ses instincts. Parce qu'il est né pour le rôle et qu'il est fait pour lui.

[Que ce soit dans Memories of a Murder, The Host (2007), Snowpiercer (2014) ou Parasite ] on a toujours l'impression qu'il y aura une nouvelle couche à découvrir. Il est comme une toile qui grandit et grandit. Peu importe le nombre de coups de pinceau que j'applique, il y a toujours plus d'espace pour peindre. J'ai toujours hâte de voir ce qu'il apportera à un rôle. Pour moi, il est comme une mine de diamants inépuisable. Que j'aie fait quatre films avec lui ou 40, je sais que je vais dénicher un nouveau personnage.

Il a la capacité d'apporter de la vie et de la crudité à chaque instant. Même si une scène implique un dialogue difficile ou un travail de caméra hautement technique, il trouvera un moyen de la rendre transparente et spontanée. Chaque prise sera différente et le dialogue le plus lourd ressemblera à de l'improvisation. C'est étonnant et un plaisir d'être témoin.

Il a la capacité d'apporter de la vie et de la crudité à chaque instant.

Son caractère unique en tant que protagoniste vient de sa banalité et de sa banalité. Particulièrement au public coréen, Song projette la qualité du travailleur coréen typique, un voisin ou un ami que vous pourriez rencontrer dans votre quartier. Ainsi, ils sont encore plus captivés lorsqu'ils voient ce personnage apparemment quotidien confronté à un monstre ou à une situation monstrueuse dans des films comme The Host ou Parasite.

Il part de l'ordinaire et l'élève en une voix singulière et inimitable. Je crois que c'est ce qui rend Song Kang Ho et les personnages qu'il habite vraiment spéciaux.— Propos recueillis par Candice Frederick

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5

Nicole Kidman

Artiste, princesse, écrivain, muse - Nicole Kidman les a tous joués, avec des cheveux courts et longs, un schnoz artificiel prodigieux et un menton fantastiquement saillant. Elle peut sourire comme le soleil et pleurer avec suffisamment de larmes pour que vous vouliez lui remettre une boîte de mouchoirs. Dans le cinéma grand public, le réalisme est une pièce de monnaie d'acteur dans le commerce, un choix esthétique qui aide à transformer l'artifice en quelque chose comme la vie. Pour Kidman, une miniaturiste avec une touche lapidaire, créer ce réalisme implique parfois d'obscurcir la beauté (pour le rôle, pas pour les récompenses) qui l'a longtemps définie. Cela signifie aussi jouer constamment avec la féminité.

Kidman est entrée dans le 21e siècle à l'apogée de sa célébrité avec Moulin Rouge! (2001). Cela a été suivi par une poignée d'autres véhicules de grande envergure, notamment Les heures (2002), dans lequel elle a joué Virginia Woolf (cue the schnoz) et lui a valu un Oscar. C'était un bâillement poli d'un film que Kidman a suivi en jouant dans le film de Lars von Trier Dogville (2004), un exercice brechtien calculé et abrasif dans lequel son personnage, après avoir été maltraité, prend une arme à feu et aide à détruire une ville. Kidman semblait vraiment apprécier ce moment.

Elle a réalisé plus de 40 films depuis, certains mémorables et d'autres qu'il vaut mieux oublier. Comme celle d'autres actrices, la célébrité de Kidman a parfois dépassé sa capacité financière, créant une renommée qui a moins à voir avec le box-office qu'avec une personnalité étoilée soutenue par le kilométrage du tapis rouge et une surabondance de couvertures de magazines de mode. Certaines années, les films allaient et venaient presque sans préavis. Pourtant, Kidman a continué à travailler régulièrement et a continué à élever du matériel négligeable, se poussant même lorsque les films ne le faisaient pas. Elle a également joué beaucoup de mères, une stratégie de survie nécessaire dans un monde aussi créatif et sans imagination que l'industrie du cinéma.

L'un des plaisirs d'un interprète virtuose est de les voir s'élever au-dessus de leur matière. Kidman l'a fait à plusieurs reprises, y compris dans Naissance (2004), dans lequel elle incarne une veuve qui en vient à croire qu'un garçon de 10 ans est la réincarnation de son mari décédé. C'est un radotage prétentieux que Kidman honore avec délicatesse et une pointe d'émotion. Elle est carrément glorieuse dans Livreur de journaux (2012), une délicieusement vulgaire Qu'est ce que c'est dans lequel elle surpasse une cohorte masculine de showboating, urinant alternativement sur Zac Efron et déchirant ses collants dans une frénésie orgiaque sur John Cusack.

Vous ne pouvez pas la quitter des yeux. Vous ne pouvez jamais.

Plus récemment, Kidman a joué dans Destructeur (2018), un thriller dur de Karyn Kusama sur la longue spirale descendante d'un détective. Kidman devient grand et brutal – coups de poing, course et coups de feu et boisson à l'excès – pour jouer une ruine d'âge moyen dont les choix terribles sont gravés dans chaque pli et tache de son visage dur. Le film a échoué, peut-être parce qu'il était trop moche pour le public d'aujourd'hui ou peut-être que tout cela semblait trop bas de gamme pour l'une des couvertures préférées du magazine Vogue. Mais Kidman est brillant, froid, brut et vrai. Même avec son visage obscurci presque méconnaissable, elle reste indéniable. Vous ne pouvez pas la quitter des yeux. Vous ne pouvez jamais.

Destructeur de flux sur Hulu .

4

Keanu Reeves

Vous êtes peut-être surpris de trouver Keanu Reeves si haut sur cette liste. Mais demandez-vous : avez-vous déjà été déçu lorsqu'il est apparu dans un film ? Pouvez-vous citer un film qui n'a pas été amélioré par sa présence ? Nous parlons ici de Ted Logan. À propos de Néo. John Wick. L'intérêt amoureux de Diane Keaton pour Quelque chose doit donner (2003). L'intérêt amoureux d'Ali Wong – un gars nommé Keanu Reeves ! – dans Toujours être mon peut-être (2019). Assurément, il n'y a pas une autre star de cinéma qui montre autant de gamme tout en restant si irréductiblement et indéchiffrable lui-même.

Pouvez-vous citer un film qui n'a pas été amélioré par sa présence ?

Mais il a été curieusement facile à sous-estimer. Comme tant d'autres dans les années 90, l'appréciation de Keanu Reeves dans les premières phases de sa carrière était couverte d'ironie. Il était trop facile de se moquer de la confusion vide et sérieuse qui définissait ses personnages dans les films Point Break, The Devil's Advocate et Matrix, pour projeter leur vide sur lui, pour supposer que ses eaux calmes étaient peu profondes.

Il était toujours dans la blague, cependant. Et ne plaisante jamais entièrement. À l'âge mûr, il a atteint un nouveau niveau de réussite, une zone où convergent la naïveté et la conscience de soi. Il est l'un de nos héros d'action les plus crédibles, et aussi l'un de nos acteurs de personnages les plus ingénieux et inventifs. Il a magnifiquement résisté, devenant à la fois plus triste et plus joueur sans perdre l'innocence d'un autre monde qui était là depuis le début.

L'assassin mélancolique, luxurieux et amoureux des chiens dans les films de John Wick est-il une mise en scène de genre, un chèque de paie, une séance d'entraînement d'action de la quarantaine? Probablement. Bien sûr. Avec (disons) Gerard Butler dans le rôle-titre, ils seraient des jets astucieux et méchants. Ce que Reeves fait, c'est donner à la franchise plus de gravité qu'elle ne le mérite, plus d'humour qu'elle n'en a besoin et l'âme qui lui manque par ailleurs.

L'un des plaisirs de regarder des films au cours de la dernière décennie a été de le rencontrer sous des formes inattendues. En tant que chef de culte post-apocalyptique connu sous le nom de Dream in The Bad Batch, la fantasia dystopique croustillante 2017 d'Ana Lily Amirpour. Comme la craie du fromage de Winona Ryder dans l'anti-rom-com abrasif de Victor Levin Marriage de destination (2018). Comme la voix d'un chat nommé Keanu dans Keanu (2016).

Il y a plus à l'homme que la somme de ces parties, qui sont des puzzles et des koans, des chapitres d'un manuel perpétuellement mis à jour dans la célébrité méta-moderne du cinéma en tant que façon d'être. Il n'est pas perfectionniste. Il est la perfection même. On nous l'a dit il y a longtemps, et maintenant peut-être pouvons-nous enfin le croire : c'est lui.

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3

Daniel
Jour-Lewis

Au début de Il y aura du sang (2007), un homme dans un trou sombre et profond frappe rythmiquement le mur avec une pioche, envoyant des étincelles et de la poussière. Il fait si sombre que vous ne pouvez pas distinguer son visage, mais sa chemise pâle attire votre regard et met en relief les contours de ses bras puissants et leurs mouvements de machine. Vous ne le voyez pleinement que lorsqu'il lève la tête pour regarder le ciel, ce qui fait que la lumière inonde son visage. Voilà, l'homme — voilà, Daniel Day-Lewis !

C'est une introduction aussi emblématique, aussi marquante et marquante que celle de Rita Hayworth dans Gilda. Cela fonctionne également comme une belle métaphore de l'acte minutieux du processus créatif de Day-Lewis, la construction de ses personnages. En tant que Daniel Plainview, Day-Lewis ne joue pas simplement le protagoniste; il donne une forme humaine aux idées et à l'art du cinéaste Paul Thomas Anderson. Plainview, c'est beaucoup de choses : un homme, une machine, un père terrible, un pétrolier rapace. Il est aussi la manifestation de la substance ruineuse — l'océan de pétrole — qu'il arrache violemment à la terre.

Day-Lewis est l'un des acteurs les plus vénérés du dernier demi-siècle, une réputation basée sur sa filmographie éblouissante et polie par une aura de grandeur qui a pris des proportions presque mystiques. Ses préparatifs très médiatisés pour ses rôles et son insistance à rester dans le personnage pendant la production sont devenus légendaires, l'étoffe des gros titres excités et du fétichisme des fans. Ses annonces répétées de retraite n'ont fait qu'élargir son aura et sa sélectivité aussi : il n'a réalisé que six films ce siècle, des chefs-d'œuvre. Comme la plante exotique du siècle, un agave qui ne fleurit qu'une seule fois de façon spectaculaire, Day-Lewis sait à la fois nous taquiner et faire le show.

Day-Lewis sait à la fois nous taquiner et faire le show.

La tradition qui s'est construite autour de lui n'est, dans une certaine mesure, qu'une version de l'ère Méthode de la mythification qui a toujours fait partie de la création de la célébrité. Ce qui manque parfois, c'est que lire plus de 100 livres pour se préparer au rôle-titre de Lincoln (2012) est un travail, une partie de la préparation d'un acteur. Tout ce travail et ces livres rappellent que jouer est aussi un travail, pas de la magie, même lorsque la performance d'un acteur semble ou, plutôt, se sent alchimique. Une partie du talent de Day-Lewis réside dans sa formidable capacité à transformer un travail acharné en un personnage qui sert couramment la vision d'un réalisateur.

Cela dépend beaucoup de cette vision. Et c'est à ce stade que je dois malheureusement mentionner Neuf (2009), une folie catastrophique que Day-Lewis sert avec diligence mais ne peut pas sauver. Dans Gangs de New-York (2002), en revanche, sa performance en tant que Bill the Butcher est l'apothéose des ambitions de ce film, alors quand il n'est pas à l'écran, l'image crache. L'art de Day-Lewis est celui d'une osmose entre lui et ses réalisateurs. Et à ce jour, ses performances les plus complètes ont été dans les deux films qu'il a réalisés avec Anderson, le plus récemment Phantom Thread (2017), dont les beautés, les profondeurs et les particularités de Day-Lewis absorbent, transforment et réfractent avec brio.

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2

Isabelle Huppert

MANOHLA DARGISIntrépide et envoûtante, parfois effrayante, parfois flippante, Isabelle Huppert a endossé une étonnante série de rôles au cours de sa carrière, passant sans effort des larmes aux cris, des histoires les plus droites aux plus glorieusement déjantées. Elle a joué dans plus de 50 films au cours de ce siècle seulement, un travail qui témoigne de son ambition et de sa popularité, mais suggère également une faim vorace que vous pouvez voir dans son jeu d'acteur. J'aime beaucoup de ses performances, mais je suis surtout captivé par ses monstres, par ses femmes horribles et indicibles.

A. O. SCOTTQuelqu'un a-t-il dit Le professeur de piano ? Ce film de 2002 est un tour de force terrifiant de luxure, de cruauté, de masochisme et de musicalité. Le personnage principal, Erika Kohut, devient obsédé par un étudiant, et Huppert exécute sa descente dans la folie avec une précision glaciale et une intensité d'opéra. Avons-nous peur pour elle, ou peur d'elle ?

Huppert est un virtuose de ce genre d'ambiguïté, de brouiller les codes habituels sur la vulnérabilité féminine et l'affirmation de soi féministe, de défier les hypothèses sur les sources de la dureté et de la fragilité d'une femme. Un de mes exemples préférés est celui de Claude Chabrol Comédie du pouvoir (2007), dans laquelle elle incarne une magistrate éradiquant la corruption de l'élite politique et économique française et affrontant un réseau de vieux garçons puissamment ancré. Le nom du personnage est Jeanne Charmant Killman, ce qui peut sembler un peu sur le nez, mais qui capture également une partie de l'attrait gracieux et mortel de Huppert.

DARGISLes rôles qui lui ont été offerts et ceux qu'elle a recherchés ont été déterminants dans sa création. Et au début de sa carrière, elle a travaillé avec des cinéastes - Jean-Luc Godard, Maurice Pialat et, bien sûr, Chabrol - qui lui ont donné un espace de création dans lequel se développer. Elle n'aurait jamais pu avoir une carrière comparable dans les films américains (je frémis à l'idée de ses débuts à Sundance), où les personnages sont rarement ambigus et souvent façonnés par des impératifs fades comme la relativité et la rédemption.

Huppert est connu pour embrasser les extrêmes, même si je vois cela comme un intérêt pour la plénitude de l'existence, y compris le dégoûtant et le tabou. Ses personnages débordent de vie, parfois laids, comme dans Elle (2016), la provocation de Paul Verhoeven sur le traumatisme et la psychose. L'actrice surprend toujours (je soupçonne qu'elle s'ennuierait sinon), mais ici, en tant que femme confrontée à la violence masculine, Huppert fait quelque chose qui arrive rarement au cinéma : elle choque. Avec un esprit déchirant - ses sourires étranges se moquent des piétés du public - elle transforme le mystère d'une autre personne en un thriller. J'aime qu'elle me force à regarder même quand je ne le veux pas.

SCOTTQuelqu'un a-t-il dit Greta ? C'était un petit thriller blême de 2019 dans lequel Huppert jouait un harceleur psycho-maman s'attaquant à une étudiante aux yeux de rosée jouée par Chloë Grace Moretz. Je n'en parle que parce que le genre de mystère auquel vous faites référence – le composé volatile d'esprit, de charme et de volonté – domine ce film, que Huppert rend plus intrigant qu'il n'a le droit de l'être. Plus drôle et plus effrayant.

Il n'y a personne d'autre avec sa combinaison d'intensité et de retenue. Cela se voit surtout dans les films où son personnage est engagé dans une lutte acharnée pour sa survie, comme celui de Claire Denis. Matériel blanc (2010). Huppert joue un propriétaire de plantation français accroché au dernier privilège colonial dans un pays africain convulsé par la violence. Elle sait que sa vie est en danger, que son mode de vie est en train de s'éclipser, et aussi que dans le schéma historique plus large des choses, elle pourrait bien mériter son sort. Il n'y a pas d'apitoiement sur soi ici et à peine de drame au sens conventionnel du terme. Juste du nerf pur.


tout doit passer en revue

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1

Denzel Washington

A. O. SCOTTNous nous sommes disputés et disputés à propos de tous les autres créneaux de la liste, mais il n'y a eu aucune hésitation ni aucun débat à propos de celui-ci.

Denzel Washington est hors de catégorie : un titan du cinéma qui est aussi un artisan subtil et sensible, avec une sérieuse formation scénique à l'ancienne et une présence flamboyante de star de cinéma. Il peut faire Shakespeare et August Wilson, la méchanceté ou l'héroïsme d'action. Il est également l'un des acteurs suprêmes des gars réguliers. Qui peut oublier ses raides de travail assiégés dans inarrêtable (2010) et La prise de Pelham 123 (2009), une paire de grands films bruyants sur le thème du train réalisés par Tony Scott ? Ni l'un ni l'autre n'est un chef-d'œuvre, mais je ne me lasse jamais de regarder Washington au travail.

MANOHLA DARGISIl fait en sorte que le travail – j'entends par là le jeu d'acteur – ressemble à de la respiration. Il y a une raison pour laquelle il était parfait en tant qu'Easy Rawlins dans Devil in a Blue Dress, un rôle déterminant au début. Depuis lors, il a joué de nombreux personnages qui incarnent le droit ou la criminalité, et certains qui existent dans l'espace qui les sépare. En chemin, il est devenu le totem dominant d'un certain type d'autorité masculine, comme John Wayne et Clint Eastwood avant lui. Washington peut exprimer une vulnérabilité angoissée, mais il peut dominer comme un colosse, surplombant des mondes comme un patriarche de l'Ancien Testament – ​​c'est extraordinaire compte tenu des représentations de la masculinité noire à l'écran il n'y a pas si longtemps.

SCOTTCette autorité est crédible même lorsque les films le sont… moins. Le livre d'eli (2010) ? L'égaliseur (2014) ? L'homme en feu (2004) ? L'une des choses que j'aime le plus chez lui, c'est à quel point il joue magnifiquement les hommes qui ne semblent pas exiger ou même mériter l'amour. Pensez à Whip Whitaker dans Voyage en avion (2012), un pilote de ligne prodigieusement qualifié qui est aussi un épave de train épique. Pas un gars sympa, mais un être humain aussi complet, complexe et vivant que vous ne le verrez jamais sur un écran de cinéma.

DARGISComme toutes les stars, le jeu d'acteur de Washington semble inextricable avec son charisme, une combinaison séduisante mais qui peut submerger les films, comme le violent potboiler d'Antoine Fuqua Jour d'entrainement (2001). Washington est sensationnel en tant que mauvais détective : il est lâche, sexy, effrayant mais tellement plus grand que nature qu'il rétrécit le film. Dans Flight, son magnétisme approfondit la tragédie de son personnage ; cela donne de l'allure à sa démarche, mais cela fait aussi partie de sa façade en ruine. Peu de rôles donnent autant de travail à Washington, certainement pas les films avec deux de ses réalisateurs préférés, Fuqua et Scott, qui créent beaucoup d'agitation dans laquelle Washington s'installe – et se concentre – très confortablement.

SCOTTPeut-être qu'une mesure de sa puissance est à quel point il est constamment meilleur que les films dans lesquels il est. Au milieu de la vaste série d'excellents travaux - les entraîneurs et les flics, les gangsters et les avocats - il y a quelques monuments qui montrent pleinement ce talent imposant. Malcolm X en est un, et Troy Maxson dans Fences (2016) en est un autre. Il y a tellement de douleur et de fierté dans cette performance, qui mesure en quelque sorte le poids du racisme américain sur le corps et l'âme d'une seule personne, sans faire de cette personne un symbole de quoi que ce soit. La façon dont Washington entre dans ce film, ses épaules se balançant avec la puissance d'un athlète, son corps cabossé par une vie de labeur, est un moment de pure éloquence charnelle, égalé par le flot de poésie vernaculaire qui sort de sa bouche.

DARGISEh bien, transcender votre film est depuis longtemps la marque d'une vraie célébrité ! Les acteurs choisissent des rôles pour toutes sortes de raisons – âge, emploi du temps, goût, confort, salaire – et la race compte toujours. Washington aime jouer des personnages axés sur les objectifs et des hommes qui font une impression sérieuse, avec une arme à feu, des extrêmes physiques ou des mots. Il aime voir grand. Il pourrait faire des films d'art et des petits films indépendants provocants, mais il ne le fait pas. Peut-être qu'il n'est pas intéressé; il n'en a certainement pas besoin. Il est Denzel Washington, après tout, une star dont la carrière – dans sa longévité et sa domination – est un correctif et un reproche à l'industrie raciste dans laquelle il travaille. J'imagine qu'il fait exactement ce qu'il veut.

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IMAGES 25 : Films de la SFI ; 24 : Kino Lorber ; 23 : A24 ; 22 : Larry Horricks/20th Century Fox ; 21 : Warner Bros. (Danseur dans le noir) ; Bac Films (Un conte de Noël) ; Caractéristiques principales (8 femmes) ; Mandarin Films (Potiche); 20 : Warner Bros. (Just Mercy) ; Steve Dietl/Netflix (Mudbound); 19 : Images animées des studios de divertissement, via Photofest ; 18 : Lily Gavin/CBS Films ; 17 : néon ; 16 : Images Amazon Studios/Magnolia ; 15 : Matt Kennedy/Marvel, Disney ; Barry Wetcher/Warner Bros. ; Ron Koeberer/Weinstein Company ; 14 : Alison Rosa/CBS Films ; 13 : Magnolia Pictures (Julia) ; Alessio Bolzoni/Amazon Studios (Suspiria) ; Warner Bros. (Michael Clayton); Kimberly French/Netflix (Okja); 12 : Anne Joyce/Weinstein Company (L'immigrant); Anne Joyce/Columbia Pictures (Nous possédons la nuit); Barry Wetcher/Miramax Films (Les chantiers) ; 11 : Fonctionnalités de mise au point, via Photofest ; 10 : Merrick Morton/A24 ; Merie Wallace/A24 ; 9 : Images primordiales ; 8 : Groupe de médias Cohen ; 7 : Gianni Fiorito/Music Box Films, MPI Media Group ; 6 : Magnolia Pictures (L'Hôte) ; CJ Entertainment (Souvenirs de meurtre); Néon (parasite); 5 : Anne Marie Fox/Millenium Entertainment ; 4 : David Lee/Lionsgate ; 3 : Melinda Sue Gordon/Paramount Vantage ; 2 : Kino International ; 1 : Paramount Pictures (Vol) ; Robert Zuckerman/Warner Brothers (Journée de formation'); Rico Torres/Columbia Pictures (La prise de Pelham 1 2 3); Scott Garfield/Columbia Pictures (L'égaliseur)
Conception par Gabriel Gianordoli.
Produit par Alicia DeSantis, Stephanie Goodman, Jolie Ruben et Josephine Sedgwick.

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