Les 25 meilleurs acteurs du 21e siècle (jusqu'à présent)

Films

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Caméléons ou beautés, personnages stellaires ou secondaires, ce sont les acteurs qui ont éclipsé tout le monde sur grand écran au cours des 20 dernières années.

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Nous vivons un âge d'or du jeu d'acteur, du platine en effet. Nous sommes arrivés à cette conclusion lorsque nous avons décidé de sélectionner nos acteurs de cinéma préférés des 20 dernières années. Il n'y a pas de formule pour choisir le meilleur (juste beaucoup de discussions), et cette liste est inévitablement subjective et peut-être scandaleuse dans ses omissions. Certains de ces acteurs sont nouveaux ; d'autres sont au milieu depuis des décennies. Pour notre sélection, nous nous concentrons sur ce siècle et considérons des talents au-delà d'Hollywood. Et s'il y a sans aucun doute des stars sur la liste et même quelques lauréats d'un Oscar, il y a aussi des acteurs et caméléons de soutien, des héros d'action et des trésors de films d'art. Ils représentent 25 raisons pour lesquelles nous aimons toujours les films, peut-être plus que jamais aujourd'hui.



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Gaël Garcia Bernal

MANOHLA DARGISQuand la bande de suspense Chien aime de Alejandro González Iñárritu et le road movie Et ta mère aussi d'Alfonso Cuarón créée dans des galeries d'art aux États-Unis à un an d'intervalle, l'impact a été sismique. Ses réalisateurs ont rapidement acquis un prestige international, tout comme Gael García Bernal, la révélation des deux films. Il avait un don, il était magnétique à l'écran et il avait un visage qu'on ne pouvait s'empêcher de voir, en partie parce qu'avec son regard innocent et la ligne marquée de sa mâchoire, il fusionnait subtilement la beauté féminine et masculine.

Ce contraste n'était pas très évident dans Chien aime (2001), mais cela a contribué à enrichir Et ta mère aussi (2002), une histoire plus chaleureuse et émouvante sur la majorité qui commence par un cri de joie et se termine par un soupir nostalgique. García Bernal incarne Julio, un adolescent de la classe ouvrière qui se lance dans un voyage de découverte (de lui-même et des autres). Avec son meilleur ami (joué par Diego Luna), Julio prend la vie à la légère jusqu'à ce qu'il ne le fasse plus. Au fur et à mesure que la stridence de l'histoire s'estompe, remplacée par une contemplation que l'acteur communique de manière très physique, le personnage se retire et devient réfléchissant.

En 2004, García Bernal avait déjà participé à Journaux de moto de Walter Salles dans le rôle du jeune Che Guevara et a joué un caméléon trompeur dans le film de Pedro Almodóvar, Mauvaise éducation . Almodóvar a mis l'acteur en talons pour jouer un femme fatale A la manière d'un film noir, un rôle que García Bernal n'a apparemment pas beaucoup aimé mais qui a donné plus de profondeur à son image publique avec une lèvre tachetée et une froideur psychologique qui a fait sensation.

A. O. SCOTTAu Non (2013) de Pablo Larraín, García Bernal incarne René Saavedra, un jeune publicitaire à succès au Chili dans les années 1980, avec son charisme habituel. C'est cool, mais ce n'est pas intimidant ; il est beau mais accessible ; c'est drôle, mais sans être odieux ; il est sûr de lui, mais pas vantard. Au début, il est facile de sous-estimer René et García Bernal, confondant leur naturel désinvolte et modeste avec un manque de sérieux ou de compétence. René est recruté par un groupe de partis politiques d'opposition pour produire des publicités télévisées qui promeuvent le non lors d'un référendum pour décider de la prolongation de la dictature d'Augusto Pinochet. Le travail de René est de vendre le rejet comme une option optimiste, de reconnaître la brutalité du régime de Pinochet et en même temps de se concentrer sur un avenir heureux sans lui. Même si René croit en la cause, il la considère aussi comme un défi marketing, et évoque une ambiance qui s'apparente à Des hommes fous lorsque vous vous disputez avec des clients, des collègues et des rivaux.

La mission de García Bernal est d'incarner le lien dramatique entre les banalités de l'industrie médiatique et la terreur de la répression politique, et il fait tout presque exclusivement avec ses yeux. Une nuit, l'appartement dans lequel il vit avec son jeune fils est vandalisé pendant qu'ils dorment tous les deux, et à ce moment-là, la détermination fougue de René est réduite à la peur. Le lendemain, il retourne au travail, et lui et son public ont une nouvelle et profonde compréhension du sens de son travail.

Non est disponible pour louer ou acheter sur les principales plateformes de streaming.

24

Sonia Braga

MANOHLA DARGISj'ai revu récemment Verseau (2016) pour notre ode à Sônia Braga. Pour ceux qui ne l'ont pas vue : Braga incarne Clara, une écrivaine dont l'appartement donne sur l'Atlantique. La majeure partie de l'histoire concerne Clara, qui vit sa vie en se débarrassant de son propriétaire. Braga s'intègre parfaitement dans le réalisme merveilleux et sans prétention du réalisateur Kleber Mendonça Filho. Cette fois, en regardant le film, en partie à cause du titre du chapitre Les cheveux de Clara, j'ai remarqué comment Braga réarrangeait son opulent rideau de cheveux. Et, en le ramassant puis en le laissant tomber, je me suis rendu compte que Mendonça ne présentait pas seulement un personnage, mais aussi la légende qui l'incarne.

A. O. SCOTTC'est un rappel - subliminal et effronté à la fois - que Braga était très important au Brésil et dans d'autres pays dans les années 1970 et 1980, l'équivalent dans son pays de Sophia Loren. Ses films avec Mendonça ( Bacurau cette année et Verseau ) s'appuyer sur cette histoire et exploiter son charisme classique. Cependant, ce ne sont pas seulement des apparitions stellaires dans les dernières étapes de sa carrière. Clara n'est pas Sonia Braga : c'est une femme très particulière avec sa propre histoire d'exploits, d'amours et de regrets. Mais seule une artiste avec la sécurité totale de Braga, son indifférence héroïque à ce que les autres pensent d'elle, pouvait donner vie à Clara.

DARGISCependant, ce que j'ai trouvé fascinant Verseau cette fois c'est que Clara aussi C'est Braga, dans le sens où le sens du personnage est en partie façonné par tout ce que Braga apporte chaque fois qu'elle est à l'écran, y compris son histoire dans le cinéma brésilien en tant que femme d'origine métissée, ainsi que ses aventures à Hollywood. Il y a quelque chose de fantastiquement libérateur à voir Braga dans le rôle de cette femme majestueuse, qui a des rides visibles et qui n'a jamais subi de reconstruction mammaire après sa mastectomie. C'est d'autant plus vrai que Braga était autrefois catalogué comme une star du sexe. Vous ne pouvez pas lui dire le contraire, a écrit un critique. Mais ce n'est pas vrai, car on peut dire qu'elle est actrice.

SCOTTSa capacité se manifeste totalement différemment dans Bacurau , un film de cette année, une allégorie qui reprend des éléments de science-fiction et est délirante fantastique (et violente), se déroulant dans un Brésil en crise. C'est un film qui s'éloigne du réalisme des autres œuvres de Mendonça sans abandonner sa passion politique ni son humanisme. Braga, qui fait partie d'une large distribution comprenant des acteurs non professionnels, est essentiel au projet. Elle incarne Domingas, un médecin d'une petite ville qui souffre d'alcoolisme et a une personnalité parfois cinglante, un rôle peu glamour, un personnage comique que personne d'autre n'aurait pu jouer avec autant de profondeur et de grâce. Ou comme disait Mendonça : Dans une symphonie, elle serait le piano.

Bacurau est disponible en Canal de critère et Aquarium , au Netflix .

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23

Mahershala Ali

A. O. SCOTTMahershala Ali a l'un des meilleurs visages du cinéma d'aujourd'hui : des pommettes hautes, un front haut et contemplatif et des yeux avec une pointe de mélancolie. Sa présence devant la caméra est magnétique, mais aussi attentive et rusée. Ses personnages ont tendance à être réticents, prudents, mais leur discrétion est leur propre forme d'éloquence, leurs chuchotements résonnent encore plus que n'importe quel cri.

Ali a remporté deux Oscars du meilleur acteur de soutien. Le premier était par Clair de lune (2016), un film dans lequel il démolit tranquillement un stéréotype hollywoodien tenace. Juan est un trafiquant de drogue, image de la destruction communautaire et de la violence implicite ; cependant, ce qui le définit, c'est sa douceur et la gentillesse inconditionnelle qu'il accorde à Chiron, le jeune protagoniste. Juan écoute le garçon, répond à ses questions et, dans l'une des scènes les plus émouvantes du film, lui apprend à nager.

Puis, entre le premier et le deuxième acte, il disparaît, mais Ali est toujours présent dans le film même après son départ. Ali est à la fois l'image tragique et paternelle de la virilité et le premier homme digne de l'amour de Chiron.

MANOHLA DARGISAli a d'abord attiré mon attention sur la série Netflix Château de Cartes . Il a joué Remy Danton, un avocat de Washington dont le petit sourire rusé a clignoté en signe d'avertissement, soulignant le danger dans son monde. Remy est apparu dans le deuxième épisode d'une scène dans un restaurant, où le personnage principal, Frank Underwood (Kevin Spacey), mange avec deux autres hommes influents. Rémy n'intimide pas les hommes assis, il s'impose. Vous savez qu'Underwood est gênant, mais lorsque le réalisateur David Fincher taillade le visage de Remy, Ali modifie fortement l'atmosphère en troquant sa personnalité pour une méfiance rampante, indiquant clairement qu'il ne parle pas à un homme mais à un prédateur. .

J'étais tellement habituée à voir Ali en tailleur sur mesure (et parfois sans) qu'au début je ne l'ai pas reconnu dans Clair de lune . Il ne s'agissait pas seulement de la différence des costumes, mais du maintien précis qu'Ali donnait à chaque personnage, avec des variations dans la carnation des corps, bien sûr, mais aussi dans la façon dont ces corps bougent et ce qu'ils représentent. Au Château de Cartes , Remy coule et il y a eu des moments où je pensais regarder le prochain James Bond. Au Clair de lune , Ali crée un personnage titanesque dont la force, même après avoir disparu du film, continue de résonner. L'acteur crée un personnage très différent dans Livre vert : une amitié sans frontières (2018, le rôle qui lui a valu son deuxième Oscar), cette fois avec une performance qui dépasse le film, où Ali incarne le musicien Don Shirley comme un homme et une forteresse protégée.

SCOTTJ'irais presque jusqu'à dire que le jeu d'acteur est le contraire du cinéma. Ali est gracieux, débrouillard et conscient de lui-même, tandis que Livre vert il est maladroit, plaisante et ne distingue pas ses propres brutalités. Je ne sais pas si un autre acteur aurait pu gérer la célèbre scène du poulet frit avec une telle dignité. Le fait que Livre vert : une amitié sans frontières et Clair de lune Gagner le prix du meilleur film reflète les contradictions de notre moment culturel, mais le fait que le métier subtil d'Ali et son charisme inébranlable puissent soutenir deux films aussi divergents témoigne de ses talents.

Clair de lune est disponible en Netflix .

22

Mélissa McCarthy

MANOHLA DARGISLorsque les critiques examinent de plus près des acteurs comiques comme Melissa McCarthy, nous abordons souvent des qualités familières comme le rythme, la grâce et une physionomie malléable, mais nous parlons également d'acteur. Depuis qu'il est passé de la télévision au cinéma, McCarthy a démontré à plusieurs reprises ses rangs d'acteur et a contribué de manière inspirante à renverser les idées rétrogrades sur qui peut être une star de cinéma. Aucun film ne vous a autant profité que Spy : un espion ignorant (2015) dans lequel elle incarne Susan, une timide analyste de la Central Intelligence Agency (CIA) qui est envoyée dans une mission extravagante qui permet à McCarthy de marcher délicatement au début puis de se dandiner magnifiquement.

La façon dont le film utilise les conventions de genre pour mettre en valeur les talents de McCarthy tout en brisant les stéréotypes est essentielle au plaisir subversif de Espionner . Susan contient une multitude de personnalités, d'abord pour se protéger (elle cache sa force intérieure) et plus tard pour exprimer son humanité. Lorsqu'elle travaille dans les champs, elle prend à contrecœur divers costumes débraillés et maquillage tragique (variations de la façon dont les autres la perçoivent) avant de se transformer en un fantasme sexy et provocateur qu'elle a conçu elle-même. Alors que Susan laisse ses cheveux lâchés et décomplexée, McCarthy se déchaîne. Sa voix explose, ses mains agitées se transforment en poings et son visage de poupée se transforme en méduse. McCarthy ne joue pas une seule femme, mais nous tous, avec toute son énergie.

A. O. SCOTTLee Israel est amusant. Il partage un esprit verbal rapide et intensément agressif avec certaines des autres créations de McCarthy, telles que Tammy dans Tammy (2014) et Mullins dans Filles armées et dangereuses (2013). Néanmoins, Lee était une vraie personne, et Pourriez-vous me pardonner ? (2018) n'est pas exactement une comédie. Ce n'est pas non plus un biopic, mais plutôt une description très spécifique de la vie queer et littéraire à New York à la fin du 20e siècle dans un film sur une amitié entre marginaux transformé en film d'aventure.

Ce n'est pas facile pour vous d'aimer Lee ou de la soutenir. Il est corrosif, auto-absorbé et auto-sabotant. Il se retire de ses amis et maintient une emprise fragile à la fois sur l'éthique et la sobriété. McCarthy hésite à transformer son histoire (qui comprend l'échange d'une carrière ratée d'écrivain contre un passage lucratif en tant que faussaire de lettres d'écrivains célèbres) en une parabole de rétablissement ou de rédemption.

Il s'agit de la façon dont Lee et son partenaire (le merveilleux Richard E. Grant) parient sur la survie, se rebellant contre le sort qu'un monde indifférent leur réserve. Le titre du film soulève une question honnête. Vous ne pourrez peut-être pas pardonner à Lee ses erreurs et ses mensonges, son manque de respect pour les paroles et les sentiments des autres, mais vous ne pouvez pas l'oublier.

Spy : un espion ignorant et Pourriez-vous me pardonner ? ils sont disponibles à la location ou à l'achat sur la plupart des plateformes de distribution.

vingt-et-un

Catherine Deneuve

Avec une longue expérience de travail avec les auteurs les plus connus de l'industrie, Deneuve a toujours symbolisé une sorte particulière d'élégance française, qu'elle incarnait une femme ordinaire, un malheureux restaurateur ou même une mère iranienne. Ce dernier rôle appartenait au film Persépolis (2007). Deneuve a exprimé un personnage basé sur la mère de Marjane Satrapi. Nous avons demandé à Satrapi, qui a réalisé le film avec Vincent Paronnaud, d'expliquer pourquoi il a choisi Deneuve.

Si vous habitez en France, Catherine Deneuve est une icône. Quand j'étais enfant, je l'idolâtrais. Il prenait toujours des décisions très en avance sur son temps, il était plus anarchiste que bourgeois. Elle a toujours été considérée comme une parisienne très bourgeoise, ce qui est un mensonge absolu. C'est une rebelle qui ressemble à une grande dame.

Quand j'ai rencontré Catherine Deneuve pour la première fois, c'était comme voir Dieu en personne. J'étais choqué. Cependant, je devais la diriger et je n'osais rien lui dire. Pendant les deux premières heures, j'étais totalement paralysé et elle m'a calmé. En femme généreuse qu'elle est, elle m'a dit : vous êtes la réalisatrice et je suis votre actrice. Dites-moi quoi faire et je le ferai. Il ne l'a pas dit devant d'autres personnes. Il m'a invité à fumer une cigarette dehors et là il m'a dit en privé.

Pour le personnage de la mère j'avais besoin de quelqu'un qui ne soit pas comme une mère éternelle qui soit très aimante, car ma mère n'est pas comme ça. Ma mère est une personne très gentille, mais elle te dit aussi : Fais ça. Faire l'autre. Elle avait besoin de quelqu'un qui avait le pouvoir d'une femme qui veut que sa fille excelle [dans la vie] et devienne plus indépendante. Catherine Deneuve a une façon de parler qui n'est pas enjouée, car elle ne cherche pas à se faire aimer. Elle est très franche. Quand il vous parle, il vous regarde droit dans les yeux.

Vous n'essayez pas de faire en sorte que les gens vous aiment. Elle est très franche.

Il y a une scène dans laquelle je rentre à la maison et ma mère commence à me crier dessus : Savez-vous ce qu'ils font aux jeunes filles en Iran ? Vous devez quitter ce pays. Je me souviens quand il a lu ces discours, le ton n'était pas juste. Il essaya de se contenir comme d'habitude. J'ai dit : Non, Catherine, tu es vraiment au bord de la folie. Il l'a fait à nouveau et a pleuré sérieusement. C'était extrêmement émouvant.

Et maintenant, même après toutes ces années, chaque fois que je la vois, mon cœur s'emballe. Elle est comme un lion. Il n'est pas tape-à-l'œil, il ne fait pas de gestes. Mais, même s'il est derrière vous et que vous ne pouvez pas le voir, on perçoit qu'il y a un félin dans la pièce. Vous vous sentez très excité et en même temps très nerveux. Elle est féroce et intrépide, et j'aime ça chez elle.- Entretien par Kathryn Shattuck

Persépolis est disponible pour louer ou acheter sur la plupart des plateformes de distribution.

vingt

Rob Morgan

A. O. SCOTTLes grands seconds rôles sont des maîtres du paradoxe, indélébiles et invisibles à la fois. Il n'est pas nécessaire de les reconnaître d'un rôle à l'autre, mais ils laissent leur empreinte sur chacun des films, améliorant l'ensemble même par petits morceaux.

Si tu voyais Boueux : la couleur de la guerre , Des monstres et des hommes , Le dernier homme noir de San Francisco et Recherche Justice —Quatre films sortis entre 2017 et 2019—, vous savez qui est Rob Morgan, même si vous ne le connaissez pas de nom.

Comme un prisonnier condamné à mort en En quête de justice Il a une présence remarquablement discrète, un homme calme, assailli de remords, d'impuissance et de peur, dans la situation difficile duquel l'intrigue humaniste du film est encapsulée.

Dans chacun des autres films, il incarne un père, dans le Sud américain de l'ère Jim Crow et dans le Nord urbain d'aujourd'hui - un homme qui en sait plus qu'il ne veut le dire. Dans ces films, ce sont les enfants qui parlent la plupart du temps, mais Morgan donne une expression éloquente à des expériences qui sont en dehors de l'intrigue principale, mais ils l'amènent dans une histoire plus grande. Au Dernier homme noir , apparaît dans une poignée de scènes et ne dit que quelques lignes, mais tout ce qui se passe dans ce film est écrit sur son visage : les plaisirs et les déceptions de la vie à la périphérie d'une ville idiosyncratique en évolution rapide. Il écoute, mâche des graines de tournesol, joue quelques accords sur un vieil orgue, et après avoir passé quelques minutes en sa présence, vous comprenez exactement ce qu'il faut savoir.

MANOHLA DARGISDe temps en temps, un petit film donne à un acteur l'opportunité de briller davantage et d'être le centre d'attention, et c'est ce que fait Morgan dans Taureau (2020) par Annie Silverstein. Morgan incarne Abe, un ancien cavalier de rodéo avec des articulations raides, du sang dans ses urines et une vie en jeu. Maintenant que ses jours de monte de taureau sont terminés, il travaille comme torero, aidant à protéger les cavaliers tombés au combat. Heureusement, le rôle d'Abe n'est pas surchargé de lignes, c'est pourquoi Morgan est capable de définir le personnage avec une performance convaincante, dans laquelle les hochements de tête, les regards de côté et la présence introvertie expriment un passé douloureux et des instincts d'autoprotection. homme retiré.

Taureau Cela ne devrait concerner que Abe, mais se concentre plutôt sur sa relation avec Kris (Amber Havard), une voisine blanche de 14 ans, déracinée. Leurs destins se croisent de manière désagréable après qu'Abe la découvre en train de détruire sa maison, et cela prend la forme de l'optimisme immérité qui est au cœur du cinéma américain. En d'autres termes, Abe et Kris se sauvent. Cependant, le film est sauvé par la fenêtre que Morgan ouvre sur le cow-boy noir et comment l'interprétation complique certains des mythes préférés de l'Amérique, y compris la figure du solitaire endurci et stoïque. Abe ne vient pas du territoire de John Wayne; Abe vient d'un pays complètement différent que Morgan revient viscéral, le cœur brisé et pleinement vivant.

Taureau est disponible en Hulu .

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Wes Studio

Wes Studi a l'un des visages les plus frappants à l'écran - avec des traits saillants, des lignes fines et surmontés du genre d'yeux perçants qui insistent pour que vous reteniez leur regard. Les réalisateurs mineurs aiment utiliser leur visage comme un symbole puissant de l'expérience amérindienne, comme un masque de noblesse, de souffrance, de douleur impénétrable simplement parce que personne ne le demande à l'homme qui le porte. Dans le bon film, Studi ne joue pas seulement avec la façade d'un personnage ; décoller leurs couches. Tel un maître de l'opacité expressive, il vous montre le masque et ce qui se cache sous lui, à la fois dans la pensée et dans le sentiment.

Il vous montre le masque et ce qui se trouve en dessous.

Studi est devenu célèbre dans la conscience cinématographique en tant que guerrier furet vengeur dans le film épique Le dernier des Mohicans (1992) de Michael Mann, un personnage que l'acteur véhicule avec une force physique puissante et une intensité de sentiments tels que le mépris, l'impatience, le ressentiment et la colère. Faire beaucoup avec peu a été une constante dans la carrière cinématographique de Studi, qui comprend des rôles importants dans Le nouveau Monde (2005) et Avatar (2009). Comme beaucoup d'autres acteurs, il a son lot de travail qui est passé inaperçu, a réalisé des films d'exploitation et des émissions de télévision d'une qualité épouvantable. Souvent incorporé dans la distribution spécifiquement en tant qu'Amérindien, il a joué Geronimo et Cochise; Il est probable que cela redresserait de nombreux films ratés si les films de cow-boy étaient toujours à la mode. Et si l'industrie était aventureuse, il pourrait également jouer plus de rôles en tant que superviseur d'un refuge pour sans-abri à Rencontrer Flynn (2012), un homme qui ne porte pas ce que Studi appelle fourrure et plumes.

À des fins pédagogiques, n'utilisez aucune de ces deux choses dans Hostile (2017) de Scott Cooper, un film sur la vie et la mort à la fin du XIXe siècle. Studi incarne le chef Yellow Hawk, un prisonnier au seuil de la mort qui est autorisé par le gouvernement fédéral à retourner sur ses terres ancestrales. Le film s'intéresse principalement à son compagnon, un ennemi indien ruiné par la guerre, Christian Bale, la star. Encore une fois, Studi parvient à jouer un rôle de soutien qui complète une performance principale – l'indifférence de son personnage à la colère de son compagnon est un mur qui ne peut être franchi – et aide à équilibrer l'équilibre de l'histoire. Yellow Hawk a survécu assez longtemps pour mourir selon ses propres conditions, une survie que Studi transforme en un dernier acte de sang-froid.

Hostile est disponible en Netflix .

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Willem Dafoe

L'acteur a été une présence vitale dans des films aussi divers que L'ombre du vampire (2000) et Le projet Floride (2017), pour lequel il a reçu des nominations aux Oscars. Il a également été nominé pour avoir joué Vincent van Gogh dans le biopic de Julian Schnabel, Van Gogh aux portes de l'éternité (2018). Nous avons demandé à Schnabel pourquoi il s'était tourné vers Dafoe.

J'ai rencontré Willem il y a plus de 30 ans. J'avais toujours vécu dans le quartier et nous avions beaucoup d'amis en commun. Oliver Stone tournait Les portes A New York, et une nuit, on traînait sur le plateau, et c'était la première fois qu'on commençait vraiment à parler.Ce qui est très important, c'est que c'est un acteur très généreux. Vous vous souciez des performances des autres et vous les aidez en étant disponible dans tout ce que vous faites. Il est très très loyal et assez intelligent. Si vous travaillez avec quelqu'un d'intelligent, il peut tout améliorer.

C'est un acteur très généreux. Il se soucie des actions des autres.

[Pour Van Gogh à la porte de l'éternité] J'avais besoin de quelqu'un qui ait le personnage pour jouer Van Gogh. Et ce n'était pas seulement une question de ressemblance physique. Il avait besoin de quelqu'un qui avait assez d'expérience de la vie pour être ce type. Les gens pensaient, eh bien, Willem a 60 ans, Van Gogh en avait 37 quand il est mort. Cela ne me concernait pas. Vous devez laisser vos intuitions vous guider pour faire confiance à quelqu'un et penser qu'il peut faire quelque chose. Je fais implicitement confiance à Willem. Et ce degré de confiance est réciproque.

Il y a une séquence que nous avons tournée à Arles, après son arrivée, mais nous n'avons pas pu l'utiliser dans le film. Il avait la même garde-robe, il avait la même coiffure, mais il n'était pas encore Van Gogh. Puis est arrivé un moment où, tout à coup, il était déjà le personnage. Il avait été transformé, transfiguré. C'était quelqu'un d'autre.

Une de mes scènes préférées est lorsqu'il parle au jeune Dr Rey, qui le soigne après s'être coupé l'oreille et lui assure qu'il retournera à la peinture lorsqu'il sera confiné. Cette interaction est extraordinaire, ce que Willem y fait. Vous êtes essentiellement assis à une table et il n'y a pas beaucoup de place pour bouger. Mais ce qui se passe sur son visage, dans sa réaction à ce que lui dit le médecin, et aussi sa réaction aux pensées qui lui traversent l'esprit à ce moment-là, c'est un paysage d'événements et une vie intérieure qui me rappelle l'écume qui provient de la crème d'un shake à la vanille.- Entretien par Kathryn Shattuck

Van Gogh aux portes de l'éternité est disponible pour louer ou acheter sur la plupart des plateformes de distribution.

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Alfre Woodard

Dans un monde juste, il y aurait une très longue liste de grandes performances pour remplir cette section, une anthologie de matriarches, d'héroïnes romantiques, de divas et de méchants reflétant le large éventail de dons que possède Alfre Woodard. Ces types de rôles sont toujours rares pour les actrices noires, mais même dans de petits rôles dans des films ou des séries télévisées à plus petite échelle, Woodard est une présence inoubliable, majestueuse, mais profondément réelle.

Les deux films qui vous ont offert le plus de mou - 12 ans d'esclavage (2013) de Steve MxQueen et Clémence (2019) de Chinonye Chukwu— mettent la question de la justice à l'honneur. Dans ces films, Woodard a dû affirmer la dignité et l'intégrité éthique de ses personnages face à l'impossibilité de circonstances cruelles. Bernadine Williams, directrice de la prison de Clémence , dont les responsabilités incluent la supervision des exécutions des détenus, estime de plus en plus que son professionnalisme est en contradiction avec son humanité. Au 12 ans d'esclavage Mme Shaw, une femme esclave dont la relation avec un propriétaire de plantation lui a valu certains privilèges, a accepté un système construit sur sa propre déshumanisation.

L'art de Woodard, son engagement envers la vérité, c'est ce que vous voyez.

Les contradictions auxquelles Bernadine et Mme Shaw sont confrontées sont plus grandes que n'importe quel individu. Ce que Woodard fait, c'est les rendre personnels. La maîtrise de soi est une question de survie, et le visage de Woodard devient le portrait du décorum, dépeignant la noble dame du sud ou le bureaucrate efficace que la situation justifie. Ce n'est pas tant que je laisse tomber les masques, sauf peut-être dans la scène finale dévastatrice de Clémence , mais montre plutôt le coût et les soins requis pour les transporter. Les personnages jouent également, jouant leurs rôles avec leur vie en jeu, et l'art de Woodard, son engagement envers la vérité, est ce qui est vu dans l'espace entre ce qu'ils semblent être et ce qu'ils sont.

Clémence et 12 ans d'esclavage sont disponibles sur Hulu.

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Kim Min Hee

Le jeu d'acteur extrêmement nuancé de Kim Min-hee est la clé de voûte du film, et l'actrice elle-même est depuis au centre de la filmographie de Hong, apparaissant dans presque tous ses films ultérieurs. En tant qu'auteur de films indépendant chevronné, Hong raconte des histoires à une échelle modeste qui sont formellement drôles, sensibles à l'imperfection humaine et soutenant le souche . Des événements communs s'y produisent, parfois de manière inhabituelle. La répétition est souvent une approche narrative, enracinée dans la vie et parfaitement communiquée par l'expressivité lucide de Kim.


sacha baron cohen le dictateur

Dans le canon minimaliste de Hong, la vie se résume dans les moments de tous les jours, dans les conversations et dans la façon dont les corps se penchent l'un vers l'autre. Les différences entre les deux moitiés de Maintenant bon avant mauvais ils révèlent de nouvelles facettes des personnages et créent de nouvelles tensions entre eux. Ils libèrent également la gamme histrionique de Kim, lui permettant de jouer avec l'intonation, les gestes et les regards hésitants. Et bien que les deux sections du film ressemblent à des variations sur la même histoire, sa performance semble plutôt fusionner, car – sourire à sourire, avec des regards évasifs et immobiles – Kim unit les parties du personnage en un seul tout.

Il a des moments décalés et des moments calmes, il passe du monstrueux au timide.

Au La femme de chambre (2016) de Park Chan-wook, son film le plus connu, Kim a opté pour une méthode baroque. Dans ce drame décalé et souvent méchamment drôle qui se déroule en Corée dans les années 30, elle incarne une noble japonaise qui échappe à la perversion de son oncle grâce à sa ruse et à l'aide d'une autre femme. Les excès flamboyants et les rebondissements narratifs de l'histoire permettent à Kim d'épuiser tout son arsenal. Elle a des moments décalés et des moments calmes, passe de monstrueuse à timide, et alterne entre cacher les sentiments de son personnage et les laisser couler sans retenue. Son corps frémit et son visage se déforme alors que la peur et la douleur cèdent la place à l'extase et à la libération. Le personnage est un mystère auquel le film fait allusion, mais dont Kim s'extasie.

La femme de chambre est disponible en Amazon Prime Vidéo .

quinze

Michael B. Jordan

Michael B. Jordan a joué des avocats, des athlètes et des super-héros, mais avant même que son rang d'acteur ne devienne apparent, le réalisateur Ryan Coogler voulait travailler avec lui. Coogler a réalisé trois longs métrages (Fruitvale Station, Creed: Champion's Heart et Black Panther) et Jordan participe à tous en tant que protagoniste ou co-vedette. Nous avons demandé au réalisateur d'expliquer ce qui nous attire chez l'acteur.

J'ai rencontré Mike en 2012 alors que je faisais des recherches et que je travaillais sur le scénario de Gare de Fruitvale . Avant de le rencontrer, j'ai décidé qu'il correspondait le mieux au personnage, sur la base d'autres travaux que je connaissais de lui : quelques films cette année-là ( queues rouges et Puissance sans limites ) et plein de choses à la télé, mais je pensais pouvoir jouer Oscar. Il lui ressemblait, mais j'ai aussi remarqué qu'il avait la capacité de vous faire ressentir de l'empathie pour lui. Tous les acteurs n'ont pas cette particularité, de se faire aimer de quelqu'un immédiatement et cela provoque une réaction d'empathie. Il l'avait. Il dispose également d'un ensemble d'outils très avancés en tant qu'acteur.

J'ai remarqué qu'il avait la capacité de vous faire ressentir de l'empathie pour lui.

Il a participé à tous les films que j'ai réalisés et je continue de le choisir car il est le plus adapté pour le poste. Credo : Cœur de Champion [2015] J'avais un autre personnage que je pensais pouvoir bien jouer. Avant de devenir acteur, Mike était un athlète au primaire et au collège. Il avait joué des athlètes à la télévision, le personnage le plus connu était celui de Les lumières du vendredi soir , il nous a donc semblé que Mike était le seul à faire certaines des choses que son personnage aurait à faire dans Croire . C'était un aspect de lui qui ne représentait pas beaucoup d'efforts.

Et en] panthère noire [2018], le voir et Chadwick se battre en tête-à-tête ressemblait à un événement. Leur renommée était à la hausse et les deux avaient déjà été protagonistes lorsque nous avons tourné ce film.

Maintenant, l'aspect passionnant de la croissance dans l'industrie est de travailler ensemble dans différents domaines. Il fait beaucoup de choses dans les coulisses maintenant et nous avons des opportunités de travailler ensemble, pas seulement en tant qu'acteur et réalisateur.

Son ambition a une qualité attachante. Il veut toujours se tester et se challenger, ce qui se voit dans ses performances, mais aussi dans sa notion d'entreprise. Cette ambition le maintient ouvert d'esprit. Vous regardez tout et vous ne voulez pas vous priver de certains genres ou opportunités. Je pense donc que le ciel est la limite pour lui et sa carrière.- Propos recueillis par Mekado Murphy

Panthère noire est disponible en Disney+ .

14

Oscar Isaac

A. O. SCOTTBien que les derniers volets de la saga de La guerre des galaxies Ils n'étaient pas les meilleurs pour moi, je me suis attaché à certains personnages, notamment Poe Dameron, le pilote de la Résistance qui est la figure la plus charmante de la troisième trilogie. Comme Poe, Oscar Isaac est une présence attrayante et détendue dans ces films, car c'est un gars qui semble savoir ce qu'il fait.

Ses personnages ne sont pas toujours aussi chanceux, ni aussi confiants, mais l'acteur se comporte avec la précision de quelqu'un qui a suffisamment confiance en ses capacités pour s'aventurer en territoire risqué et inconnu. L'été avant sa sortie Ballade d'un homme ordinaire (2013), Joel et Ethan Coen Ils nous ont dit qu'au départ, ils voulaient qu'un musicien célèbre joue le rôle principal dans leur film. Au lieu de cela, ils ont trouvé Isaac, qui leur a dit (selon Joel) que si vous demandez à un groupe d'acteurs s'ils savent jouer de la guitare, la plupart d'entre eux vous diront qu'ils jouent depuis 20 ans, mais ce qu'ils veulent dire dans The la réalité est qu'ils ont une guitare depuis 20 ans. Isaac savait vraiment comment jouer. Quand je pense à ce qui le rend si crédible en tant qu'acteur, c'est la première chose qui me vient à l'esprit. Non pas parce que jouer de la guitare est si important, mais parce que tout ce qu'Isaac prétend faire à l'écran - vendre du mazout (dans le sous-estimé L'année la plus violente (2014) ; inventer des robots sexy (en Ex-Machine ) ; voler des chasseurs stellaires - je pense toujours qu'il sait vraiment comment le faire et je vois une sorte de maîtrise authentique en action.

MANOHLA DARGISLorsque les acteurs font une première impression très profonde, ils s'attachent parfois à votre idée de ce qu'ils peuvent faire. Après avoir vu Ballade d'un homme ordinaire J'ai associé Isaac à un sentiment poignant de défaite, avec un courant sous-jacent de ressentiment à contrecœur. Certains de ses autres rôles sous-tendaient ce concept de deuil inhérent, notamment son interprétation d'un maire assiégé dans la série HBO. Montre-moi un héros (2015). Cela est en partie dû à son apparence mélancolique et romantique, et à la façon dont ses sourcils encadrent ses somptueux yeux sous ses longs cils. Et puis il y a sa voix, pas seulement son beau timbre mais aussi cette résonance qui crée l'intimité. Même lorsqu'il utilise des inflexions nasales, sa voix conserve une qualité de proximité, ce qui est l'une des raisons pour lesquelles, lorsque Llewyn chante, il sent, ou sonne, comme s'il le faisait plus pour lui-même que pour le public. La voix d'Isaac adoucit également sa beauté et vous captive immédiatement. Cependant, parfois, comme dans le cas de Ex-Machine , utilisez cette intimité dans un but suggestif et sinistre.

Le rôle d'Isaac dans Ex-Machine (2015) est secondaire mais vital pour le ton et l'impact du film. Il incarne Nathan, un milliardaire technologique qui développe des projets d'intelligence artificielle à la Victor Frankenstein, construisant (et détruisant) de belles femmes androïdes. Nathan, portrait violemment critique des maîtres d'aujourd'hui de l'univers numérique, aurait pu maîtriser le film sans problème. Isaac, d'autre part, garde son charisme sous contrôle et laisse l'aura effrayante du personnage empoisonner l'environnement. Les hauts et les bas émotionnels de Nathan ainsi que son apparence inattendue – tête rasée, barbe touffue, lunettes et muscles saillants – rendent difficile de le comprendre pleinement. Pourtant, lorsqu'il danse de nulle part et exécute une chorégraphie étonnante, Isaac expose tout ce qu'il faut savoir sur Nathan avec la précision géométrique de ses mouvements et la folie de son regard. C'est 30 secondes de pure merveille.

Ex-Machine est disponible pour louer ou acheter sur les principales plateformes de streaming.

13

Tilda Swinton

MANOHLA DARGISTilda Swinton, la femme aux mille visages d'un autre monde, a créé suffisamment de personnages - avec des perruques, des costumes et des accents incalculables - pour être considérée comme le casting d'une seule personne. Swinton est une star de cinéma, une actrice de caractère, une artiste de performance, un extraterrestre, un escroc. Son visage pâle et fortement poli est une toile idéale pour les peintures et les prothèses, et est capable de transmettre un calme déconcertant. Vous voulez le déchiffrer, mais vous ne pouvez pas. Cela l'aide à être un grand méchant, qu'elle joue un démon, une reine ou un avocat d'entreprise. Au Crime soudain (2009), Swinton deja caer esa barrera para interpretar a una alcohólica y secuestradora de niños descontrolada, ofreciendo una actuación a tope que es tan visceral y transparente que se pueden ver los pensamientos del personaje en acción, como pequeños parásitos que se mueven debajo de la peau.

A. O. SCOTTNous aimons louer les acteurs pour leur rang, mais c'est un mot presque ridiculement inapproprié pour les métamorphoses radicales que Swinton réalise. Il suffit d'étudier un seul aspect de sa carrière : son travail avec Luca Guadagnino, un cinéaste qui partage son plaisir à se réinventer. Au Je suis l'amour (2010) Swinton a joué la femme russe d'un aristocrate italien et a donné une performance en deux langues et sur un ton de pur chagrin mélodramatique. Au Aveuglé par le soleil (2016) n'avait pratiquement aucun dialogue : Swinton a décidé qu'il serait intéressant que son personnage de diva glam rock reste sans voix après une opération de la gorge. Au soupirs (2018), il a réalisé l'une de ses nombreuses auto-duplications, apparaissant en tant que membre d'un groupe de sorcières accros au ballet et également en tant que survivant âgé de l'Holocauste.

DARGISCette duplication façonne ses interprétations les plus androgynes, dans lesquelles il brouille très facilement le genre, confirmant ainsi (une fois de plus) l'insuffisance des catégories comme le masculin et le féminin. Elle est les deux et ni l'un ni l'autre. Un autre type de duplication se produit lorsque vous jouez à des jumeaux, comme dans Salut, César ! à partir de 2016 (comme deux chroniqueurs de potins rivaux) et D'accord l'année suivante (en tant que leaders industriels très cruels et visuellement distincts). Dans chacun de ces projets, Swinton nous montre deux visages d'une même personne, tout comme il le fait dans Michael Clayton (2007) lorsque l'avocate qu'elle incarne répète un discours trompeur devant un miroir. Lorsque l'avocate parle, marque une pause et perd son sourire, vous la voyez essayer désespérément de contrôler un réflexe qui craque déjà.

SCOTTCes rôles peuvent être théâtraux, mais ils ne semblent presque jamais fantaisistes. Swinton a ses racines dans une tradition d'avant-garde - au début de sa carrière, il a travaillé avec Derek Jarman et Sally Potter - qui met l'accent sur la mutabilité de l'identité et les lignes floues entre artifice et authenticité. Au cours des 20 dernières années, il a apporté une partie de la rigueur intellectuelle et de l'audace conceptuelle de ce travail à Hollywood et au-delà. Non seulement elle est une artiste exceptionnellement stimulante, mais aussi l'une des grandes théoriciennes vivantes du jeu d'acteur.

Tous ces films de Tilda Swinton sont disponibles sur principales plateformes de streaming .

12

Joaquin Phoenix

Joaquin Phoenix a participé à quatre films du réalisateur James Gray, à commencer par L'autre côté du crime en 2000 et dont Les propriétaires de la nuit (2007), Lovers (2009) et Ellis's Dream (2014). Nous avons demandé à Gray d'expliquer comment l'acteur a amélioré - et amélioré - sa vision en tant que réalisateur.

Quand j'ai vu Tout pour un rêve, j'ai dit : Cet acteur - je ne connaissais même pas encore son nom - est incroyablement doué pour exprimer sa vie intérieure sans l'aide du dialogue. C'est un attribut très important dans un film, car la caméra révèle tout. C'était un acteur avec une sensibilité très profonde et c'était évident. J'ai pensé : il est très intéressant, j'adorerais le rencontrer. Alors je l'ai fait.

On s'est compris tout de suite. Nous aimons les mêmes choses. Nous pensons très similaire. Alors j'ai tout de suite aimé. Il avait ce caractère multiforme. Dans la première cassette que nous avons faite ensemble [ L'autre côté du crime ] , je suis sûr que je l'ai énervé plusieurs fois. Je suis très direct et ça peut être bien, mais parfois pas tellement. Je me suis déjà amélioré à cet égard. Disons simplement que vous n'étiez pas toujours prêt à dire : Oui, c'est intéressant, mais essayons ceci. Il dit plutôt : Joaq, que fais-tu ? C'était terrible, essayez autre chose. Je sais que cela l'a frustré parce que son talent était immense.

Il a une capacité illimitée pour vous surprendre de la meilleure des manières et vous inspirer à prendre une direction que vous n'aviez pas prévue, qui est meilleure que ce que vous aviez en tête et qui élargit l'idée. Il est extrêmement créatif, il réfléchit toujours et il s'est en fait amélioré au fil des ans. Je n'ai jamais dit : je veux ma vision à l'écran. Je veux quelque chose de mieux. L'idéal est d'établir les paramètres de ce que vous avez en tête puis de vous entourer de personnes qui l'embellissent davantage. Ils ne feront pas nécessairement quelque chose de différent, mais ils feront quelque chose de plus intense et vivant.

Il a une capacité illimitée pour vous surprendre de la meilleure des manières.

La meilleure chose à faire est qu'un acteur vous surprenne d'une manière congruente avec le personnage, mais aussi très intéressante. Joaquin est fantastique à cela, et il est très inspirant. Vous ne savez pas à quoi vous attendre de lui, dans le meilleur sens du terme. Joaquin Phoenix est la meilleure chose qui me soit arrivée dans la vie. Si je regrette quelque chose, c'est de ne pas l'avoir dans tous les films que j'ai fait.- Propos recueillis par Candice Frederick

L'autre côté du crime est disponible en Accès illimité à CBS .

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Onze

Julianne Moore

A. O. SCOTTLa malheureuse ménagère américaine - qui sourit pour préserver les apparences face à la tragédie domestique et aux conflits internes - est un archétype durable du cinéma. C'est celui que Julianne Moore a exploré et exploité dans Les heures (2002) et surtout dans ses collaborations avec Todd Haynes comme dans Loin du ciel (2002).

Ce film se déroule dans le Connecticut dans les années 1950, mais c'est un paysage remarquablement stylisé, qui évoque les mélodrames hollywoodiens de cette période. Cathy et Frank Whitaker (Moore et Dennis Quaid) sont chassés de leurs mariages étouffants par des vœux interdits : Frank par d'autres hommes et Cathy par Raymond Deagan, un jardinier noir (Dennis Haysbert). Ces transgressions ne sont ni symétriques ni intersectionnelles. Dans leur souffrance, leur humiliation et leur désir, Frank et Cathy n'ont aucun réconfort à s'offrir.

Moore aurait pu mettre le chagrin de Cathy entre guillemets, évoquer les divas du cinéma mélodramatique des années 1950 et faire un clin d'œil au public moderne qui voit toutes les mauvaises choses d'antan à une distance esthétique sûre. Au lieu de cela, il creuse profondément, jette un coup d'œil dans l'âme d'une femme qui est enracinée dans son temps et tout à fait moderne, piégée par les règles et les apparences, et est également terrifiante et passionnante.

MANOHLA DARGISMalheureuses ou pas, les épouses peuvent être des impasses pour les actrices et pour beaucoup il arrive un moment où elles sont à jamais bannies dans la cuisine. Moore a joué de nombreuses épouses et mères, mais ses films sont parfois plus complexes et surprenants que ses films, un indicateur de sa sensibilité et de son talent. L'une des raisons pour lesquelles il élève ses personnages au-dessus des stéréotypes est qu'il les interprète avec des codes de réalisme, que ce soit une performance naturaliste ( Toujours Alice , le mélodrame de 2014 sur un enseignant atteint d'Alzheimer) ou un hyperbolique ( Carte aux étoiles , satire de David Cronenberg de 2015 dans laquelle il incarne une diva hollywoodienne). Moore peut extérioriser l'intérieur d'un personnage d'une belle manière, afin que vous puissiez voir les sentiments monter à la surface de sa peau. Cependant, elle est une artiste des extrêmes, et elle et Cronenberg aiment jouer avec leurs visages de gargouille.

Dans une large mesure, sa performance dans Gloria Bell (2019) est sur un ton réaliste. Elle incarne le personnage dont le film porte le nom, une employée d'assurance divorcée au cœur généreux, deux enfants adultes, un ex qu'elle ne déteste pas et un appartement douloureusement solitaire. Le film lui-même est modeste, intime, profond et riche en détails humains. Gloria commence une liaison avec un homme. Les choses ne fonctionnent pas et la relation se termine. Il ne se passe pas grand-chose en termes de films ordinaires ; cependant, tout arrive parce que Gloria aime et est aimée. C'est une histoire qui peut avoir conduit à de grandes quantités de larmes et de vanité. Cependant, Moore et le réalisateur Sebastián Lelio transcendent l'évidence. Ne vous contentez pas de créer une histoire sur les sentiments (et l'être) d'une femme lorsqu'elle tombe amoureuse ; Ils créent un panorama d'émotions, la texture et la forme d'une sensibilité. La gloire de Moore ne pleure pas et ne rit pas ; Il vous montre à quoi ressemble l'amour de l'intérieur. C'est une interprétation miraculeuse.

Gloria Bell est disponible en Amazon Prime Vidéo .

dix

Saoirse Ronan

De combien de manières différentes une personne peut-elle mûrir ? Une grande partie de ce que les jeunes font dans les films est de grandir, mais peu d'acteurs l'ont fait aussi longtemps ou avec autant de caractère, d'intelligence et de variété que Saoirse Ronan. L'actrice a passé près de la moitié de sa vie à mûrir devant nous (elle a 26 ans) et à chaque rôle qu'elle assume, elle devient plus sage, plus triste, plus libre et plus fidèle à elle-même.

Bien sûr, ce sont presque toujours les personnages qui subissent ces changements. Eilis Lacey ( Brooklyn : une nouvelle maison , 2015) trouve l'amour et l'indépendance dans sa nouvelle maison ; Christine McPherson ( Dame Oiseau , 2017) apprend à apprécier sa mère ; Jo March ( Petite femme , 2019) découvre sa voix d'écrivain. En habitant la peau de ces femmes et filles avec toutes leurs particularités, Ronan a gardé une constance déconcertante, avec une maîtrise complète et disciplinée de son talent depuis le début.

Il a gardé une régularité déconcertante, avec une maîtrise complète et disciplinée de son talent dès le départ.

Au Expiation, désir et péché , la performance qui l'a dévoilée en 2007, a joué Briony Tallis, une adolescente de 13 ans perspicace qui pense qu'elle comprend mieux le monde des adultes qu'elle ne le fait réellement. Non seulement Ronan dégage la même précocité de Briony, mais il exprime également le mélange volatile d'insécurité enfantine et d'envie romantique qui fait de cette fille téméraire, exigeante et pas si innocente une présence véritablement dangereuse.

Et ce sentiment de danger persiste, que ses personnages soient vulnérables (comme dans Depuis mon ciel , 2009) ou violents (comme dans Hanna , 2011). Même lorsqu'il apparaît dans des drames d'époque stoïque ou des comédies douces sur la vie domestique, Ronan apporte une précision imprévisible qui est excitante et un peu déroutante à regarder. En effet, même s'il parvient à capturer l'état émotionnel et le langage corporel spécifique d'une reine écossaise du XVIe siècle ou d'un adolescent californien du XXIe siècle, ce qui communique avec encore plus de vitalité, c'est la façon dont ces gens pensent, comment se sentent dans leur esprit.

Cela peut sembler une approche d'acteur très cérébrale et intellectualisée, mais en réalité c'est le contraire. L'ambition la plus radicale et la plus révélatrice qu'un acteur puisse concevoir est d'habiter la conscience de quelqu'un d'autre et d'inviter le public à se lancer dans ce même voyage parapsychologique. C'est plus que simplement entrer dans le papier jusqu'à ce que vous disparaissiez, ou activer méthodiquement des mémoires parallèles. C'est une sorte de réincarnation autogénérée, comme si Athéna pouvait naître non pas du front de son père, mais du sien. Cela peut être une chose effrayante à voir, mais le génie est généralement comme ça.

Expiation, désir et péché est disponible en paon .

9

Viola Davis

Viola Davis a travaillé avec Denzel Washington à plusieurs reprises au cours des 20 dernières années, soit en tant que réalisatrice (Antwone Fisher : Triumph of the Spirit, 2002), en tant que co-star (lui en tant que Troy Maxson, et elle en tant que Rose Maxson dans August Wilson's drame familial Barreras à Broadway et plus tard dans l'adaptation cinématographique de 2016) ou en tant que producteur (il l'a choisie pour le rôle principal dans Black Bottom de Ma Rainey, le drame à venir sur la chanteuse de jazz Nancy Wilson). Nous lui avons demandé d'expliquer ce qui rend l'actrice si extraordinaire :

C'est l'un de ces talents qu'on ne voit qu'une fois dans chaque génération. Ce n'est pas toujours connu dans l'immédiat, mais nous l'avons tous confirmé au fil du temps. Quand j'ai travaillé avec elle sur la pièce [ Barrières ] Même pendant les répétitions, je me disais, Oh, je vois, c'est une géante du théâtre. Il a une scène très importante dans laquelle il se décharge enfin devant Troie ; Vers la troisième semaine de répétition, il a montré ce qu'il avait l'intention de faire, et j'ai pensé que je ferais mieux de dépendre de lui. Je dois me concentrer.

Nous avons incroyablement bien réussi, alors il n'a jamais demandé qui allait jouer le rôle dans le film. Et comme c'est une femme puissante, forte, mais humble, le réalisateur [George C. Wolfe] a dû la convaincre d'accepter [le rôle principal dans Le bas noir de Ma Rainey ]. Je devais le faire aussi. Elle a dit : Je ne sais pas chanter. Je n'ai pas de rythme du tout, et ce genre de chose.

Vous pouvez faire tout ce que vous voulez. Son talent atteint ce niveau.

Je lui fais entièrement confiance. Pourquoi les gens voulaient-ils jouer dans un groupe avec Miles Davis ? Parce qu'il est un grand collaborateur, innovateur et artiste. Elle est la même. Vous pouvez faire tout ce que vous voulez. Son talent atteint ce niveau. Elle est l'une des meilleures interprètes de personnages avec qui j'ai eu l'occasion de collaborer.- Propos recueillis par Candice Frederick

Barrières est disponible pour louer ou acheter sur les principales plateformes de streaming.

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Zhao Tao

MANOHLA DARGISDepuis 2000, l'actrice chinoise Zhao Tao et le réalisateur Jia Zhangke ont réalisé plus d'une douzaine de films et de courts métrages, d'art dramatique et de documentaires, ainsi que d'autres travaux qui ne rentrent dans aucun classement. Leur collaboration cinématographique est si holistique et familière qu'il est difficile d'imaginer à quoi ces films ressembleraient sans le visage et la présence centrale de Zhao. On dit souvent qu'il est sa muse (ils sont mariés), mais cette affirmation ne rend pas du tout la complexité de sa contribution, avec sa poésie, son symbolisme et sa granularité émotionnelle.

Dans les films de Jia, les gens marchent beaucoup et personne n'a parcouru plus de kilomètres que Zhao, généralement en temps réel. Zhao, qui était professeur de danse, se déplace avec grâce et aisance, que ses personnages se déplacent dans une pièce ( Le monde en 2005) ou visiter une école en ruine ( Ville 24 et 2009). Une Nature morte (2008), Zhao incarne Shen Hong, qui part à la recherche de son mari dans une vieille ville qui sera inondée en raison de la construction controversée d'un barrage. Shen Hong apparaît plusieurs fois dans des plans à moyenne et longue portée, mais lorsque quelqu'un lui demande si elle est pressée, Jia la met en gros plan. Pas vraiment, dit-il, avec une expression de regret sur le visage, ou peut-être d'avoir beaucoup de souvenirs, juste avant de franchir la porte.

Les nombreux voyageurs de Jia cartographient la Chine une histoire après l'autre, quelle que soit leur destination littérale ou métaphorique. C'est peut-être pour cette raison que la posture de Zhao est si impressionnante. Bien que ses personnages n'aient pas de direction claire, son dos reste ferme.

A. O. SCOTTLa transformation en cours de la Chine, évidente dans sa mode, sa musique, son économie, son architecture et sa topographie, est le thème obsessionnel de Jia, et Zhao est son avatar et son cas test. C'est une sorte de femme ordinaire, c'est-à-dire qu'elle incarne de nombreuses femmes différentes, parfois dans l'espace d'un seul film.

Au Le frêne est le blanc le plus pur (2019) incarne Qiao, qui fait à l'origine partie d'un couple de gangsters à Datong, une ville industrielle du nord. Comme son amant, Bin, elle est intrépide et glamour, bien que Qiao, par l'intermédiaire de son père, ait des liens avec un monde ancien d'organismes politiques constitués de travailleurs et de résistance prolétarienne. Nous sommes au début des années 2000, et tout chez Qiao - ses cheveux, ses vêtements, la façon dont elle se comporte dans les clubs scintillants et les usines délabrées - exprime la confiance dans la modernité et sa place dans celle-ci.

Puis son monde s'effondre. En raison de sa loyauté envers Bin, elle se retrouve en prison et lorsqu'elle est finalement libérée, il a disparu. Ses voyages - en bateau, à pied, en moto et en train - l'emmènent dans une longue et épuisante odyssée jusqu'à son point de départ. Elle souffre sans cesse, mais son stoïcisme lui donne parfois une touche presque comique, comme si elle était à la fois l'héroïne d'un vieux mélodrame hollywoodien et le protagoniste d'une pièce de Samuel Beckett. Sa performance est une merveilleuse démonstration d'immobilité, avec des racines bien plantées dans le sol mais, dans un sens, exubérantes.

Le frêne est le blanc le plus pur est disponible en Amazon Prime Vidéo .

7

Toni Servillo

Toni Servillo est peut-être mieux connu du public américain pour La grande beauté (2013), l'aventure oscarisée dans laquelle Paolo Sorrentino explore les coutumes décadentes de l'élite culturelle de la Rome moderne. Ce film pourrait être classé parmi les spectacles décrits par Pauline Kael comme des fêtes pour des gens déguisés en âme européenne malade. Il met en vedette Servillo, qui joue un écrivain avec peu de réalisations mais une énorme réputation qui devient le maître des rebelles. Avec son beau visage ridé et ses tenues impeccables, Servillo propose une version plus affirmée du jeune homme qui côtoie la haute société incarné par Marcello Mastroianni dans La vie douce : un participant-observateur distant, quelque peu déprimé, dans un spectacle turbulent d'hédonisme.

Si nous examinons plus en détail la collaboration de Servillo avec Sorrentino, nous découvrons quelque chose de plus intrigant et substantiel que la beauté. Les deux ont travaillé ensemble sur cinq productions, dont le premier réalisateur de Sorrentino, L'homme de plus , et ont développé une symbiose qui évoque certaines des plus grandes collaborations acteur-réalisateur du passé : Martin Scorsese et Robert De Niro ; Vittorio De Sica et Sofia Loren ; John Ford et John Wayne.

Cependant, ces analogies sont insuffisantes. Servillo a été l'avatar central dans l'excavation de Sorrentino de la corruption et de l'hypocrisie (mais aussi de la gloire improbable et de la résistance absurde) de l'Italie moderne. En particulier, il a joué deux des dirigeants politiques réels les plus puissants et les plus polarisants de l'histoire récente du pays : Giulio Andreotti (dans le film sinistre et satirique La célébrité 2009) et Silvio Berlusconi (dans le film épique et curieusement sensible Leur , 2019).

Apprécier les dimensions de cette réalisation nécessite une autre série d'analogies. Imaginez le même acteur jouant Richard Nixon et Barack Obama, ou Winston Churchill et Margaret Thatcher. Andreotti, septuple Premier ministre et principal moteur du parti de longue date de la Démocratie chrétienne, était un remarquable agent d'infiltration, astucieux et manquant de charisme à un degré presque provocant. Berlusconi, également premier ministre en série, était une démonstration d'arrogance et de charme, d'une telle misère qu'elle provoquait le rejet de certains Italiens, mais dont la personnalité infiniment magnétique en attirait d'autres.

Ni La célébrité non Leur ce sont des films biographiques conventionnels, et Sorrentino n'est pas réaliste. Ces films se délectent du théâtre du pouvoir, et Servillo, caractérisé par un maquillage d'artificialité grotesque, ressemble parfois à une marionnette ou à un dessin animé politique. Il met l'accent sur la ruse vipérine et la vanité secrète d'Andreotti, ainsi que sur le manque de sincérité et l'apitoiement de Berlusconi. Même ceux qui ne connaissent pas les traditions sordides de la politique italienne peuvent sentir la formidable énergie comique de ces performances, ainsi que le zèle moral qui les sous-tend. Ce sont de vraies personnes ! Ces horreurs, les meurtres, les pots-de-vin, les trahisons, les orgies... Ils sont vraiment arrivés !

Il parvient à rendre vivante l'humanité flamboyante, ainsi que la profonde misère, des hommes qui consacrent leur existence à soumettre le monde à volonté.

Mais l'art de Servillo va au-delà de la simple présentation de la satire comique de la plus haute qualité. De même qu'un acteur shakespearien s'immerge dans la majesté et la monstruosité des rois antiques ou imaginaires, il parvient à faire revivre l'humanité flamboyante, ainsi que la profonde misère, d'hommes qui vouent leur existence à asservir le monde à volonté. Comme si cela ne suffisait pas, cela capture aussi sa solitude.

Leur est disponible en Hulu ; La célébrité est disponible pour louer ou acheter sur les principales plateformes de streaming.

6

Chanson
Kang Ho

L'acteur coréen Song Kang Ho a probablement attiré pour la première fois l'attention du public américain dans Parasites, lauréat de l'Oscar 2020 du meilleur film, dans lequel il incarnait un patriarche appauvri et complice. C'était sa quatrième collaboration avec le réalisateur Bong Joon Ho. Nous avons donc demandé au cinéaste de nous expliquer pourquoi il a choisi la star à maintes reprises.

La première fois que j'ai vu Song Kang Ho, c'était Poisson vert , le premier long métrage du réalisateur Lee Chang-dong. Là, il a joué un petit gangster rural, et sa performance était si étrangement réaliste qu'elle a déclenché une rumeur parmi les cinéastes selon laquelle il était un vrai criminel. Plus tard, j'ai appris qu'il était un acteur qui avait longtemps été actif sur la scène théâtrale de Daehangno.

Bien qu'à l'époque j'étais assistant réalisateur et pas encore réalisateur, j'avais envie de le rencontrer. Alors en 1997, je l'ai invité à prendre un café au bureau. C'était plus une conversation informelle qu'une audition, mais j'ai tout de suite réalisé que je possédais les éléments pour être un Titan.

En écrivant mon deuxième film Mémoires d'un meurtrier (2005), j'avais Song fermement en tête pour jouer le détective rural qui est coincé dans ses vieilles habitudes et a une foi aveugle dans ses instincts. Song est né pour ce rôle et ce rôle a été créé pour lui.

Que ce soit Souvenirs d'un meurtrier L'hôte (2007), L'expression de la peur (2014) ou Parasites , on a toujours le sentiment qu'il y aura une nouvelle couche à découvrir. C'est comme une toile qui ne cesse de grandir. Peu importe le nombre de coups de pinceau que vous appliquez, il y a toujours plus de place pour peindre. Je suis toujours impatient de voir ce qu'il apportera à un rôle. La chanson est pour moi comme une mine de diamants inépuisable. Que j'aie fait quatre films avec lui ou 40, je sais que je découvrirai toujours un nouveau personnage.

La chanson a la capacité d'apporter de la vie et de la crudité à chaque instant. Même si une scène implique un dialogue difficile ou un travail de caméra très technique, vous trouverez un moyen de la garder impeccable et spontanée. Chaque prise sera différente, et même le dialogue le plus rigide ressemblera à une improvisation. C'est incroyable, et c'est un plaisir d'en être témoin.

Il a la capacité de donner vie et crudité à chaque instant.

Son originalité en tant que protagoniste vient de son quotidien et de sa mondanité. Spécialement pour le public coréen, Song projette la qualité de l'ouvrier, du voisin ou de l'ami coréen typique que vous pourriez trouver dans votre quartier. C'est pourquoi ils sont encore plus captivés lorsqu'ils voient ce personnage apparemment ordinaire faire face à un monstre ou à une situation monstrueuse dans des films comme L'hôte ou Parasites .

La chanson part de l'ordinaire et l'élève à une voix unique et inimitable. Je pense que c'est ce qui rend Song Kang Ho et les personnages qu'il habite vraiment spéciaux.- Propos recueillis par Candice Frederick.

Mémoires d'un meurtrier est disponible pour louer ou acheter sur les principales plateformes de streaming.

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5

Nicole Kidman

Artiste, princesse, écrivaine, muse, Nicole Kidman a joué toutes sortes de personnages, avec des cheveux courts et longs, un énorme faux nez et un menton fantastique et prononcé. Son sourire est aussi éclatant que le soleil et son cri est si vrai qu'on a envie de lui passer une boîte de mouchoirs. Dans le cinéma populaire, le réalisme est la monnaie d'échange des acteurs, un choix esthétique qui aide à transformer l'artifice en quelque chose comme la vraie vie. Pour Kidman, une miniaturiste au toucher précis, créer ce réalisme signifie parfois cacher la beauté (pour le rôle, pas pour les prix) qui l'a toujours définie. Cela signifie aussi qu'il joue constamment avec la féminité.

Kidman est entré dans le 21e siècle à l'apogée de sa célébrité avec Moulin Rouge! (2001). Après cette bande est venu un certain nombre d'autres véhicules de grande envergure, le plus important étant Les heures (2002), dans lequel elle incarne Virginia Woolf (elle y avait besoin d'une prothèse de nez) et remporte un Oscar. Le film était l'équivalent d'un bâillement respectueux que Kidman a réussi avec un rôle principal dans Dogville (2004), de Lars von Trier, un exercice abrasif dialectique et calculateur dans lequel son personnage, après avoir été maltraité, prend une arme et contribue à détruire une ville. Apparemment, Kidman a vraiment apprécié cette partie.

Depuis, il a participé à plus de 40 films, certains sont mémorables et d'autres sont mieux à oublier. Comme c'est le cas pour d'autres actrices, la popularité de Kidman a parfois dépassé sa rentabilité, créant une sorte de renommée qui a moins à voir avec le box-office qu'avec une célébrité qui utilise son kilométrage sur les tapis. de couvertures de magazines sur papier glacé. Il y a eu des années où ses films allaient et venaient sans que personne ne s'en aperçoive. Pourtant, Kidman a continué à travailler sans relâche, élevant du matériel insignifiant et se mettant au défi, même si les films ne le faisaient pas. Elle a également joué de nombreuses mères, une stratégie de survie nécessaire dans un monde aussi peu créatif ou imaginatif que l'industrie cinématographique.

L'une des joies de voir un artiste vertueux est de remarquer comment ils chevauchent le matériau avec lequel ils travaillent. Kidman l'a fait à plusieurs reprises, comme dans Réincarnation (2004), dans lequel elle incarne une veuve qui en vient à croire que son fils de 10 ans est la réincarnation de son défunt mari. C'est un non-sens prétentieux que Kidman embellit avec délicatesse et insuffle d'émotion. Sa performance est tout simplement glorieuse dans Amours dangereux (2012), un chose exquisement vulgaire dans laquelle elle éclipse une cohorte d'hommes vantards, alors qu'elle alterne entre uriner sur Zac Efron et déchirer ses bas dans une frénésie orgiaque devant John Cusack.

Vous ne pouvez pas le quitter des yeux… jamais.

Plus récemment, Kidman a joué dans Destruction (2018), un thriller grossier de Karyn Kusama sur le long déclin d'un détective. Kidman a des moments bizarres et brutaux - frapper, courir, tirer et boire avec un excès sauvage - dans son portrait d'une femme d'âge moyen en ruine dont les décisions terribles sont marquées dans chaque pli et tache de son visage sombre. Le film a échoué au box-office, peut-être parce qu'il était trop désagréable pour les téléspectateurs d'aujourd'hui, ou peut-être qu'il semblait être quelque chose de très secondaire pour l'un des modèles de couverture préférés de Vogue. Néanmoins, Kidman est radieux, froid, brut et réel. Même lorsque son visage est transformé à un degré presque méconnaissable, son talent reste indéniable. Vous ne pouvez pas le quitter des yeux… jamais.

Destruction est disponible en Hulu .

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Keanu Reeves

Vous pourriez être surpris de trouver Keanu Reeves en haut de cette liste. Mais demandez-vous : avez-vous déjà été déçu lorsqu'il apparaît dans un film ? Pouvez-vous nommer un film qui n'a pas été mis en valeur par sa présence ? Nous parlons de Ted Logan. De Néo. De John Wick. De l'intérêt amoureux de Diane Keaton pour Quelqu'un doit concéder (2003). De la part d'Ali Wong (un garçon nommé Keanu Reeves !) Peut-être pour toujours (2019). Il n'y a certainement aucune autre star de cinéma qui affiche un tel rang tout en restant irréductiblement et impénétrable lui-même.

Pouvez-vous nommer un film qui n'a pas été mis en valeur par sa présence ?

Pourtant, assez curieusement, il a été facile à sous-estimer. Comme presque tout dans les années 1990, l'appréciation de Keanu Reeves au début de sa carrière était entourée d'ironie. Il était trop facile de se moquer de la confusion sans expression et solennelle qui définissait ses personnages dans Point de rupture, avocat du diable et la saga de Matrice , projetant son manque d'expression sur lui, et supposant que ses eaux stagnantes étaient peu profondes, bien qu'il ait toujours été au courant des blagues à ce sujet. Et pour lui, ce n'était pas une blague. Au milieu de sa vie, il a atteint un nouveau niveau d'accomplissement, une zone où le manque d'art et la timidité convergent. Il est l'un de nos héros d'action les plus convaincants et aussi l'un de nos acteurs les plus ingénieux et inventifs. Il a tout supporté magnifiquement, il est devenu à la fois plus triste et plus joueur sans perdre l'innocence éthérée qui était là depuis le début.

Peut-être le rôle du meurtrier mélancolique, amoureux de sa femme et amoureux des chiens dans la saga de John Wick Est-ce un faux genre, un travail que vous faites uniquement pour de l'argent, une routine d'entraînement d'âge moyen ? Probablement. Bien sûr. Avec quelqu'un comme Gerard Butler dans le rôle titre, ce seraient des films agiles, méchants et jetables. Ce que Reeves fait, c'est donner à la franchise plus de poids qu'elle ne le mérite, plus d'humour qu'elle n'en a besoin et l'âme qu'elle n'aurait peut-être pas du tout autrement.

L'une des joies de regarder des films au cours de la dernière décennie a été de le trouver dans des performances inattendues. En tant que type de leader d'un culte post-apocalyptique connu sous le nom de Rêve dans Le mauvais lot , le film fantastique dystopique de 2017 réalisé par Ana Lily Amirpour. Aux antipodes de Winona Ryder dans l'anti-comédie romantique cinglante Marriage de destination (2018) réalisé par Victor Levin. Comme la voix d'un chat nommé Keanu dans Keanu (2016).

Cet homme est plus que la somme de ses parties, qui sont des énigmes et des koans, les chapitres d'un manuel éternellement mis à jour pour dominer la célébrité métamoderne du cinéma en tant que façon d'être. Il n'est pas perfectionniste. C'est la perfection même. Ils nous l'ont dit il y a longtemps et maintenant peut-être pouvons-nous enfin le croire : il est l'élu.

Les films de John Wick et d'autres titres de Reeves sont disponibles pour louer ou acheter sur les principales plateformes de distribution.

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Daniel
Jour-Lewis

Au début de Huile sanglante (2007), un homme dans un trou sombre et profond frappe rythmiquement le mur avec une pioche, produisant des étincelles et de la poussière. Il est si faiblement éclairé qu'il est difficile de bien voir son visage, mais son T-shirt pâle attire votre attention et révèle le contour de ses bras puissants et de ses mouvements mécaniques. On ne peut bien apprécier l'homme que lorsqu'il lève la tête vers le ciel et que la lumière illumine son visage. Voici cet homme, voici Daniel Day-Lewis !

C'est une introduction aussi emblématique, déterminante et digne de la célébrité que celle de Rita Hayworth dans Gilda . Cela fonctionne également comme une belle métaphore de l'acte minutieux du processus créatif de Day-Lewis, la construction de ses personnages. Comme Daniel Plainview, Day-Lewis ne joue pas seulement le rôle principal; vous donnez une forme humaine aux idées et à l'art du cinéaste Paul Thomas Anderson. Plainview, c'est beaucoup de choses : un homme, une machine, un père terrible, un magnat du pétrole vorace. C'est aussi la manifestation de la substance ruineuse, l'océan d'huile, qui est violemment arrachée à la terre.

Day-Lewis est l'un des acteurs les plus vénérés des 50 dernières années avec une réputation basée sur sa filmographie éblouissante et doté d'une aura de grandeur qui atteint presque un niveau mystique. Son toilettage de personnage très médiatisé et son insistance à rester dans le personnage tout au long de la production sont devenus des traits légendaires, générant des gros titres délirants et alimentant le fétichisme de ses fans. L'annonce répétée de sa retraite a accru son aura, ainsi que sa sélectivité : il n'a réalisé que six films dans ce siècle, et certains sont des chefs-d'œuvre. A l'image de la plante exotique centenaire, vivace qui ne fleurit qu'une seule fois de manière spectaculaire, Day-Lewis sait nous taquiner et faire le show.

Day-Lewis sait nous provoquer et faire le show.

La légende qui s'est construite autour d'elle n'est, dans une certaine mesure, qu'une version à l'époque de la méthode de mise en scène de ce mythe qui a toujours fait partie de la création d'une étoile. Ce qui passe parfois inaperçu, c'est que lire plus de 100 livres pour se préparer au rôle principal de Lincoln (2012) est un travail difficile, et fait partie de la préparation d'un acteur. Tout ce travail et tous ces livres rappellent que jouer est aussi un métier, pas de la magie, même lorsque la performance d'un acteur semble, ou plutôt, ça se sent presque alchimique. Une partie du talent de Day-Lewis réside dans sa formidable capacité à travailler dur sur un personnage qui répond à la vision du réalisateur.

Cela dépend beaucoup de cette vision. Et à ce sujet je dois malheureusement mentionner Neuf, une vie de passion (2009), une folie catastrophique que Day-Lewis sert avec diligence mais ne parvient pas à sauver. Au gangs new-yorkais (2002), d'autre part, son interprétation de Bill le boucher est l'apothéose des ambitions de ce film, alors quand il n'est pas à l'écran, le film trébuche. L'art de Day-Lewis est celui d'une osmose entre lui et les réalisateurs. Et à ce jour, ses deux performances les plus accomplies ont été dans les deux films qu'il a réalisés avec Anderson, le plus récent. Le fil fantôme (2017), dont les beautés, les profondeurs et les particularités sont absorbées par Day-Lewis, qui les transforme et les reflète avec brio.

Le fil fantôme est disponible pour louer ou acheter sur la plupart des plateformes de distribution.

2

Isabelle Huppert

MANOHLA DARGISIntrépide et envoûtante, parfois terrifiante, parfois bizarre, Isabelle Huppert a joué une variété impressionnante de rôles au cours de sa carrière. Il est passé sans effort des larmes aux cris, des histoires les plus stables aux plus glorieusement farfelues. Il a joué dans plus de 50 films au cours de ce seul siècle, une diligence qui reflète son ambition et sa popularité, mais suggère également une faim vorace qui peut être vue dans sa performance. J'aime beaucoup de ses performances, mais ce qui me captive le plus, ce sont ses monstres, les femmes effrayantes et odieuses qu'il a incarnées.

A. O. SCOTTEst-ce que quelqu'un a dit Le professeur de piano ? Ce film de 2002 est un portrait effrayant et magistral de la luxure, de la cruauté, du masochisme et du talent musical. Le personnage principal, Erika Kohut, devient obsédé par un étudiant, et Huppert personnifie sa descente dans la folie avec une précision mathématique et une intensité lyrique. Avons-nous peur de ce qu'il pourrait faire ou de ce qui pourrait lui arriver ?

Huppert est un expert dans ce genre d'ambiguïté, en mélangeant les codes habituels de la vulnérabilité féminine et de l'affirmation de soi féministe, en remettant en question les hypothèses sur l'origine de la force et de la fragilité d'une femme. Un de mes exemples préférés de ceci est vu dans ivre de pouvoir (2007) de Claude Chabrol, dans lequel elle incarne une juge qui éradique la corruption au sein de l'élite politique et économique française, et fait face à un réseau puissant et enraciné de copinage. Le nom du personnage est Jeanne Charmant Killman, ce qui peut sembler un peu évident, mais il capture également l'attrait élégant et mortel de Huppert.

DARGISLes rôles que Huppert s'est vu offrir et ceux qu'elle a recherchés ont été cruciaux pour son éducation. De plus, à ses débuts, il a travaillé avec des cinéastes - Jean-Luc Godard, Maurice Pialat et, bien sûr, Chabrol - qui lui ont donné une liberté de création pour développer ses compétences. Il n'aurait jamais pu forger une trajectoire similaire dans le cinéma américain (ça me fait frémir de penser qu'il aurait fait ses débuts à Sundance), où les personnages sont rarement ambigus et souvent basés sur des impératifs fades comme l'empathie et la rédemption.

Huppert est connu pour profiter des extrêmes, même si je considère cela comme un intérêt pour la plénitude de l'existence, voire le dégoûtant et le tabou. Ses personnages sont pleins de vie, certains de manière désagréable, comme dans Elle (2016), le film provocateur de Paul Verhoeven sur le traumatisme et la psychose. L'actrice est toujours surprenante (je soupçonne qu'elle s'ennuierait sinon), mais dans ce film, en tant que femme confrontée à la violence masculine, Huppert accomplit quelque chose qui arrive rarement dans les films : le choc. Avec un esprit déchirant - ses sourires étranges se moquent de la religiosité du public - elle met de côté le mystère d'autrui. J'aime qu'il me force à regarder même quand je ne le veux pas.

SCOTTEst-ce que quelqu'un a dit Veuve ? C'était un film à suspense paresseux de 2019 dans lequel Huppert jouait un harceleur psychotique avec un complexe maternel qui traque une étudiante naïve jouée par Chloë Grace Moretz. Je la mentionne uniquement parce que ce genre de mystère auquel vous faites référence - le mélange volatile d'esprit, de charisme et de volonté - domine ce film, que Huppert rend plus intrigant qu'il ne l'aurait été sans lui. Cela le rend plus amusant et sinistre.

Aucun autre acteur n'égale sa combinaison d'intensité et de contrôle. Cela est particulièrement évident dans les films dans lesquels votre personnage lutte désespérément pour survivre, comme dans matière blanche (2010) de Claire Denis. Huppert incarne une propriétaire de ferme française qui s'accroche à la dernière trace de privilège colonial qui lui est laissée dans un pays africain convulsé par la violence. Elle sait que sa vie est en danger, que son mode de vie est en train de disparaître, et aussi que, dans le schéma historique général, elle mérite peut-être son sort. Il n'exprime aucune apitoiement sur soi et très peu de drame au sens conventionnel du terme. C'est du courage à l'état pur.

Elle , Le professeur de piano et plus de titres sont disponibles pour louer ou émettre sur la plupart des plateformes de distribution.

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sandra bullock dans le côté aveugle

Denzel Washington

A. O. SCOTTNous nous sommes battus et nous nous sommes disputés pour toutes les autres positions de cette liste, mais il n'y avait pas eu de question ni de débat sur qui serait le numéro un.

Denzel Washington n'appartient à aucune catégorie : un titan du cinéma qui est aussi un artisan subtil et sensible, avec une formation théâtrale à l'ancienne et une présence implacable en tant que star de cinéma. Vous pouvez incarner des textes de Shakespeare et August Wilson et dépeindre le mal ou l'héroïsme dans un film d'action. Il est aussi, par excellence, un de ces acteurs qui évoquent un type normal. Qui pourrait oublier les ouvriers assiégés et honnêtes dans lesquels il a joué inarrêtable (2010) et Sauvetage dans le métro 123 (2009), un couple de films loufoques et bruyants sur les trains, réalisé par Tony Scott ? Ni l'un ni l'autre n'était un chef-d'œuvre, mais je ne me lasse pas de voir Washington à l'œuvre.

MANOHLA DARGISCela fait que le travail - et je veux dire jouer - semble aussi organique que la respiration. Avec raison, il était parfait pour le rôle d'Easy Rawlins dans Le diable vêtu de bleu , qui l'a fait connaître au début de sa carrière. Depuis lors, il a joué de nombreux personnages qui représentent la loi ou le crime, et certains qui existent dans l'espace qui divise les deux concepts. Dans ce parcours, il est devenu le totem dominant d'un certain type d'autorité masculine, comme John Wayne et Clint Eastwood avant lui. Washington peut exprimer une vulnérabilité angoissée, mais il peut se démarquer comme un colosse et dominer les mondes comme un patriarche de l'Ancien Testament - c'est extraordinaire compte tenu des représentations de la masculinité noire vues à l'écran il n'y a pas si longtemps.

SCOTTCette autorité est crédible, bien que les films... ne le soient pas. Est-ce que tu Le livre des secrets (2010) ? Est-ce que tu Le justicier (2014) ? Est-ce que tu L'homme en feu (2004) ? L'une des choses que j'apprécie le plus chez lui est la magnificence avec laquelle il joue des hommes qui ne semblent pas avoir besoin ni même mériter d'amour. Par exemple, Whip Whitaker dans Le vol (2012), un prodigieux pilote d'avion commercial qui est aussi personnellement un désastre épique. Ce n'est pas un gars sympa, mais c'est l'être humain le plus complexe, le plus profond et le plus clairement réalisé que vous verrez sur un écran de cinéma.

DARGISComme toutes les stars, la performance de Washington semble inextricablement liée à son charisme, une combinaison séduisante mais qui peut être bouleversante dans certains films, comme la violente pièce de théâtre commerciale Jour d'entrainement (2001) d'Antoine Fuqua. Washington est sensationnel en tant que mauvais détective : il a l'air décontracté, sexy et effrayant, mais sa présence est si démesurée qu'elle rétrécit le film. Au Le vol , son magnétisme ajoute de la profondeur à la tragédie de son personnage ; Cela lui donne un coup de pied, mais cela fait aussi partie de sa façade affaiblie. Peu de rôles exigent le meilleur de Washington, certainement pas dans les enregistrements qu'il a réalisés avec deux de ses réalisateurs préférés, Fuqua et Scott, qui créent beaucoup d'agitation que Washington embrasse – et se concentre – avec une grande facilité.

SCOTTPeut-être qu'une mesure de son pouvoir est la cohérence avec laquelle sa performance est meilleure que les films dans lesquels elle apparaît. Parmi sa filmographie étendue d'excellentes performances - les entraîneurs et les flics, les gangsters et les avocats - il y a quelques monuments qui démontrent cet immense talent dans toute sa splendeur. Malcolm X est l'un d'entre eux et Troy Maxson est Barrières (2016) en est un autre. Il y a tellement de fierté et de douleur dans cette interprétation, qu'elle contient en quelque sorte tout le poids du racisme américain dans l'âme et le corps d'une seule personne, sans en faire un symbole de quoi que ce soit. La façon dont Washington marche dans ce film, balançant ses épaules avec la force d'un athlète, avec une posture affectée par une vie de dur labeur, est un moment de pure éloquence charnelle, couplée au flot de poésie vernaculaire qui sort de sa bouche. . . .

DARGISIl est bien connu que surpasser ses propres films est une caractéristique de la célébrité royale ! Les acteurs choisissent des rôles pour de nombreuses raisons différentes - âge, disponibilité, préférence, confort, salaire - et la race joue toujours un rôle. Washington aime dépeindre des personnages avec des objectifs clairs et des hommes qui font forte impression, avec une arme à feu, avec des excès physiques ou avec des mots. Il aime jouer les gros. Il pourrait faire des films d'art provocateurs et des films indépendants, mais ce n'est pas le cas. Peut-être que vous n'êtes pas intéressé ; vous n'en avez certainement pas besoin. Après tout, il est Denzel Washington, une star dont les antécédents - dans sa longévité et sa domination - sont un correctif et un reproche à l'industrie raciste dans laquelle il travaille. J'imagine que tu fais exactement ce que tu veux.

Le vol, Journée de formation et plus de titres sont disponibles pour louer ou émettre sur la plupart des plateformes de distribution.

images 25 : Films de la SFI ; 24 : Kino Lorber ; 23 : A24 ; 22 : Larry Horricks/20th Century Fox ; 21 : Warner Bros. (Danseur dans le noir) ; Bac Films (Un conte de Noël) ; Caractéristiques principales (8 femmes) ; Mandarin Films (Potiche); 20 : Warner Bros. (Just Mercy) ; Steve Dietl/Netflix (Mudbound); 19 : Images animées des studios de divertissement, via Photofest ; 18 : Lily Gavin/CBS Films ; 17 : néon ; 16 : Images Amazon Studios/Magnolia ; 15 : Matt Kennedy/Marvel, Disney ; Barry Wetcher/Warner Bros. ; Ron Koeberer/Weinstein Company ; 14 : Alison Rosa/CBS Films ; 13 : Magnolia Pictures (Julia) ; Alessio Bolzoni/Amazon Studios (Suspiria) ; Warner Bros. (Michael Clayton); Kimberly French/Netflix (Okja); 12 : Anne Joyce/Weinstein Company (L'immigrant); Anne Joyce/Columbia Pictures (Nous possédons la nuit); Barry Wetcher/Miramax Films (Les chantiers) ; 11 : Fonctionnalités de mise au point, via Photofest ; 10 : Merrick Morton/A24 ; Merie Wallace/A24 ; 9 : Images primordiales ; 8 : Groupe de médias Cohen ; 7 : Gianni Fiorito/Music Box Films, MPI Media Group ; 6 : Magnolia Pictures (L'Hôte) ; CJ Entertainment (Souvenirs de meurtre); Néon (parasite); 5 : Anne Marie Fox/Millenium Entertainment ; 4 : David Lee/Lionsgate ; 3 : Melinda Sue Gordon/Paramount Vantage ; 2 : Kino International ; 1 : Paramount Pictures (Vol) ; Robert Zuckerman/Warner Brothers (Journée de formation'); Rico Torres/Columbia Pictures (La prise de Pelham 1 2 3); Scott Garfield/Columbia Pictures (L'égaliseur)
Conception par Gabriel Gianordoli.
Produit par Alicia DeSantis, Stephanie Goodman, Jolie Ruben et Josephine Sedgwick.

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